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Voces del Más allá

Voces del Más allá

Publicado en Equinox fin de semana del 30 de abril de 2005.

Al parecer estamos entrando a una nueva era para el cine de terror, marcada, y merecidamente, por la vertiente oriental, corriente caracterizada por la importancia que se le da a la atmósfera y a los personajes y menos recargada en los sustos efectistas. Jonathan Rivers (Keaton) se encuentra devastado tras la muerte de su esposa Anna (Chandra West), pero tiempo después un hombre bastante misterioso llamado Raymond Price (Ian McNiece) le asegura que ha escuchado la voz de Anna a través de un fenómeno de voz electrónica. Así, Jonathan es convencido por las grabaciones que tiene Raymond de Anna, lo mismo que por el testimonio de Sarah Tate (Deborah Unger), quien ha encontrado consuelo ante la pérdida de su prometido con los mensajes. Jonathan captura la voz e imagen de su esposa en grabaciones que ha hecho, estableciendo un contacto directo. Pero el mensaje que Anna envía es para que Jonathan salve a las futuras víctimas del psicópata brutal que acabó con su vida.

"Voces Del Más Allá" es una combinación de "The Sixth Sense" y "The Dead Zone". La película mantiene al público en suspenso y de principio a fin reina en ésta una atmósfera de melancolía. Pero gran parte de su publicidad radica en la inclusión del Fenómeno de Voz Electrónica (EVP, por sus siglas en inglés) en el argumento. Dicho fenómeno consiste en captar voces en televisiones o radios sin sintonía. Cuando Jonathan, aparte de escuchar ruidos en la televisión ve varios tipos de imágenes, es cuando la cinta comienza a perder fuerza.

Con frecuencia me divierte (y me irrita) el modo como los cineastas modernos tratan de aparentar dramatismo y dinámica en una actividad tan prosaica y tediosa como trabajar frente a una computadora... quienes hayan visto películas sobre "hackers" o ciber-thrillers sabrán a lo que me refiero.

Pero esos débiles esfuerzos palidecen ante "Voces del Más Allá", que pretende extraer drama y suspenso mostrando al competente actor Michael Keaton viendo la televisión durante casi dos horas.

Si Keaton estuviera viendo "24" o "Buffy, Cazadora de Vampiros", no hubiera sido tan malo, pero lo que Keaton ve en sus monitores es "ruido blanco"... el homogéneo patrón puntillista de una televisión sintonizada en un canal vacío.

"Voces del Más Allá" podría haber sido una magnífica cinta de terror si hubiera tomado el Fenómeno de Voz Electrónica como un punto de partida para especular sobre la vida después de la muerte, y no como mera excusa para crear trillados sobresaltos en una película aburrida y forzada. Cualquier episodio de "Ghost Hunters" (o similares programas televisivos de "investigación paranormal") será más interesante y perturbador que esta inepta película, cuyo único terror consiste en ver a un buen actor desperdiciando su talento en aras del dinero.

Hasta la próxima

Vocesdel Más allá

Vocesdel Más allá

Publicado en Equinox fin de semana del 30 de abril de 2005.

Al parecer estamos entrando a una nueva era para el cine de terror, marcada, y merecidamente, por la vertiente oriental, corriente caracterizada por la importancia que se le da a la atmósfera y a los personajes y menos recargada en los sustos efectistas. Jonathan Rivers (Keaton) se encuentra devastado tras la muerte de su esposa Anna (Chandra West), pero tiempo después un hombre bastante misterioso llamado Raymond Price (Ian McNiece) le asegura que ha escuchado la voz de Anna a través de un fenómeno de voz electrónica. Así, Jonathan es convencido por las grabaciones que tiene Raymond de Anna, lo mismo que por el testimonio de Sarah Tate (Deborah Unger), quien ha encontrado consuelo ante la pérdida de su prometido con los mensajes. Jonathan captura la voz e imagen de su esposa en grabaciones que ha hecho, estableciendo un contacto directo. Pero el mensaje que Anna envía es para que Jonathan salve a las futuras víctimas del psicópata brutal que acabó con su vida.

"Voces Del Más Allá" es una combinación de "The Sixth Sense" y "The Dead Zone". La película mantiene al público en suspenso y de principio a fin reina en ésta una atmósfera de melancolía. Pero gran parte de su publicidad radica en la inclusión del Fenómeno de Voz Electrónica (EVP, por sus siglas en inglés) en el argumento. Dicho fenómeno consiste en captar voces en televisiones o radios sin sintonía. Cuando Jonathan, aparte de escuchar ruidos en la televisión ve varios tipos de imágenes, es cuando la cinta comienza a perder fuerza.

Con frecuencia me divierte (y me irrita) el modo como los cineastas modernos tratan de aparentar dramatismo y dinámica en una actividad tan prosaica y tediosa como trabajar frente a una computadora... quienes hayan visto películas sobre "hackers" o ciber-thrillers sabrán a lo que me refiero.

Pero esos débiles esfuerzos palidecen ante "Voces del Más Allá", que pretende extraer drama y suspenso mostrando al competente actor Michael Keaton viendo la televisión durante casi dos horas.

Si Keaton estuviera viendo "24" o "Buffy, Cazadora de Vampiros", no hubiera sido tan malo, pero lo que Keaton ve en sus monitores es "ruido blanco"... el homogéneo patrón puntillista de una televisión sintonizada en un canal vacío.

"Voces del Más Allá" podría haber sido una magnífica cinta de terror si hubiera tomado el Fenómeno de Voz Electrónica como un punto de partida para especular sobre la vida después de la muerte, y no como mera excusa para crear trillados sobresaltos en una película aburrida y forzada. Cualquier episodio de "Ghost Hunters" (o similares programas televisivos de "investigación paranormal") será más interesante y perturbador que esta inepta película, cuyo único terror consiste en ver a un buen actor desperdiciando su talento en aras del dinero.

Hasta la próxima

Mar abierto

Mar abierto

¿Como te sentirías perdido en el océano rodeado de tiburones? Ese es el tema de esta película, y el dialogo existencial en una pareja de buceadores. No tiene más argumentos que una pareja joven que estan metidos en su propia problemática que no escuchan al otro. Normal en el matrimonio.

Deciden un dia irse de vacaciones, y una vez instalados en una isla paradisíaca del caribe deciden explorar el mundo del buceo. Y.... bueno veanla. Solo les digo una cosa, esta basada en un hecho real.

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Esta película no posee mucho argumento. A pesar de la creencia errónea y esparcida de que los tiburones son criaturas peligrosas con un gusto por la carne humana, los ataques son extremadamente extraños en cualquier parte del mundo. A pesar de las teorías sobre surfistas y buzos que se asemejan a focas o tortugas, los humanos son extrañamente confundidos por comida por los tiburones, y la mayoría de los ataques parecen haber sido estimulados por la curiosidad o el miedo, mas que por el hambre.

Eso lo dice alguien que es experto en su modo de vida y convive con ellos a diario. El punto es, los tiburones han estado alrededor por un largo tiempo. Los primeros tiburones conocidos evolucionaron hace unos 400 millones de años, más de 200 millones de años antes de los dinosaurios y eran depredadores bastante comunes. Más de 2000 especies han sido identificadas a partir de los archivos fósiles, comparadas con las 1,000 o algo así que sabemos existen hoy en día.

La gran diversidad de tiburones se refleja en su distribución alrededor del mundo. Los tiburones se han adaptado para ocupar cualquier tipo de ecosistema marino en cada continente. Los encontrarás en océanos abiertos y en lagunas de coral, en pantanos de mangle, ríos de estuario y mares poco profundos. Algunas especies de tiburones frecuentan también regularmente aguas dulces; se sabe que el tiburón toro por ejemplo viaja unos 3000 kilómetros a contracorriente por el Río Amazonas.

Los tiburones fueron arrastrados al ojo público, a la fuerza y memorablemente, por la película Tiburón de 1975, la legendaria película de Steven Spielberg sobre un tiburón blanco depredador de hombres. Basada someramente en una serie de ataques de la vida real que tuvieron lugar en Nueva Jersey en 1916, Tiburón fue un gran éxito alrededor del mundo, a pesar de su suspenso genuino y de las representaciones gráficas de los ataques.

El miedo persistente y anormal a los tiburones, es un problema para muchos nadadores. Los que lo padecen son totalmente incapaces de nadar en el mar, aún cuando estén seguros de que se han implementado redes u otros procedimientos de seguridad.

Esta película se trata del espíritu del hombre de sobrevivir, aun con las cartas en contra. El final no es de película, es un hecho real que acontece cada cierta cantidad de buceadores en mar abierto.

El efecto de cámara bajo el agua además del diálogo entre los protagonistas es toda la película.
Pero si uno esta sumido por mas de un dia y medio en un mar surcado de estos, en algún momento habrá un encuentro. Veanla lo único que digo.

Hasta la próxima

Prensa libre o libertina (una tesis uruguaya)

Una película de la vida real, Estudiemos el libreto. Actores todos los uruguayos. El director, el gobierno. Música de Disépolo.

Hace algún tiempo, el senador José Mujica dijo que la mejor ley de prensa es la que no existe . ¿Coincide con esa afirmación? ¿Entiende que debe haber una ley de prensa?
Nuestro programa habla de promover una ley que regule el funcionamiento de los medios electrónicos de comunicación, que avance en la democratización, en las posibilidades de participación de distintos actores de la sociedad. Hablamos de una ley integral, que incluya la aprobación de la ley de habeas data, ya presentada, la reestructura y el fortalecimiento del sistema público, la apertura y el estímulo al sector social comunitario, la transparencia en la asignación de la publicidad oficial, el acceso a nuevas tecnologías y, por cierto, programas nacionales de educación para la comunicación que crucen todo el sistema educativo. Esta ley será motivo de amplias consultas y, mientras tanto, lo que hay que hacer es actuar con voluntad política, cumpliendo la legislación vigente, cosa que no ocurre actualmente. Está claro que la ley a la que he hecho referencia debe garantizar el pleno ejercicio de la libertad de prensa y respeto por la tarea del profesional.
La influencia que ejercen los medios de comunicación sobre el proceso electoral en las democracias occidentales, especialmente la televisión en los últimos años, puede llegar a abrumar la vida cotidiana durante el periodo electoral. Algunos sostienen que la elección se gana o se pierde en función del desempeño de un partido en la televisión y, en menor medida, en la radio. Dado que la televisión domina hoy en día las elecciones en algunos países, es sorprendente que la regulación de las transmisiones tenga un bajo perfil en las legislaciones electorales del mundo.

El actual uso de las infraestructuras de red y de distribución de contenidos audiovisuales no garantiza los derechos universales y constitucionales respecto a la comunicación y la información.
En Uruguay, y en general en las Américas, durante los últimos dos años se volvió a hablar de controlar, regular, disciplinar, orientar, a los medios y/o a los periodistas. Desde los ámbitos políticos se justifican estos nuevos intentos de limitación de la libertad de expresión, bien en el uso excesivo de esa libertad, bien en la manipulación de la información que practican algunos medios de comunicación.
Cientos de frecuencias que se entregaron a correligionarios políticos de los gobernantes de turno y también a algunas empresas “madres,” que, por la vía de los hechos, terminaron por configurar un monopolio que, obviamente, distorsionó la transmisión informativa y, además, dejó cautiva a la población de empresas que además de buscar el lucro, elemento vinculado a la lógica del sistema, apoyaron casi siempre a los gobiernos de turno, dejando de lado al pluralismo informativo.

Una cosa no quita la otra, digo yo opinando,pero quien soy para opinar sobre los medios de comunicación. Bárbaro existe un marco regulatorio donde encuadramos la prensa escrita y televisada, radios y demas yeitos. Pero digo yo, y de publicar un boletín semanal a travez de internet donde una empresa grande o chica de a conocer sus opiniones o sea independiente de credo o política y desee hacer llegar sus intereses por ese medio, ¿con que se encuentra?
Servidores que bloquean el pasaje de información (llámese spam). Empresas que por "x" motivos válidos o no, se sienten afectadas por el boletín que le mandó la empresa Tal y estan en condición de bloquear el flujo de información, lo hace. Pero quien regula a Internet. Nuestros hijos pueden ver pornografía, ver cualquier tipo de tema , bajar juegos o programas maliciosos para su educación. Eso el marco normativo de esa ley, ¿contempla?. O mira para el costado. La libertad de expresión debe ser libre o libertina. Son dos cosas distintas pienso una cosa es libertad con orden y otra con desorden. Supongo, opinando, de metiche.
Pocas veces en la historia ha habido una democratización de la información que se haya verificado por la vía de los hechos ni más allá de la índole de algunos propietarios de medios de comunicación y de regímenes de concesión de ondas, como el uruguayo, claramente antidemocrático por el privilegio que consagra.

Blade Trinity

Blade Trinity

Tercer episodio de la saga de Blade, el medio vampiro que lucha por impedir que los bebedores de sangre dominen el mundo.
Esta película inspirada en Gene Colan, Marv Wolfman tiene como protagonistas principales Wesley Snipes , Kris Kristofferson , Ryan Reynolds, Jessica Biel . En el rol de líder de los vampiros aparece Parker Posey (Las reglas de la seducción, Intimidades) .

Para lo que seguimos la saga del cazavampiros que no le afecta la luz como a otros que salen sólo de noche, esta película se torna un tanto aburrida. Nos absorbe los efectos especiales, diría más, es una película sobre efectos especiales, de principio a fin. La temática si bien es recurrente en todas las de Blade ( Reacuérdese Blade, Blade1 y 2) deja de tener sentido cuando nos abruman de principio a fin con ellos.
Ya de pique la resurrección del Vampiro por excelencia interpretado por Parker Posey, de 3000 años de antigüedad, supuesto origen de la casta de todos los vampiros que asolan la tierra, me recordo a Terminator por momentos cuando hace su aparición por primera vez, pues la armadura o coraza que posee es lo más parecido a ese personaje. El momento en que se le hace una trampa donde Blade interpretado por Wesley Snipes cae es una de las tantas que hemos apreciado, edificios que explotan autos en carrera, persecuciones por autopistas. Nada nuevo para lo que buscamos en los efectos especiales lo novedoso.



El papel que juega Kris Kristofferson como mentor de Blade es pobretón de principio a fin, quita brillo al actor en si. En una palabra Kris Kristofferson no se luce. Sin embargo esta película esta armada para que se luzcan por supuesto Wesley Snipes, en primer lugar Parker Posey, Ryan Reynolds, y Jessica Biel. Es de mención el papel estelar de esta chica Jessica. A mi criterio desde el punto de vista de las fuerzas del bien contra los malos, cumple el papel de segunda después de Wesley Snipes.

Es de destacar su papel como integrante del grupo de los "Nigthtalkings" como se denomina el grupo de vampiros que se la dan por aparte. El trabajo de esta chica sobresale con su ropa seductora y armamento entre un estilo ninja y guerrera estilo de alguna manera Electctra con su armamento sofisticado. Hablando de eso, los guionista por no decir el director de esta película copian sin mucho esfuerzo el estilo hollywudense de moda.

Fíjense el escape de Blade de los cuarteles del FBI cuando lo rescatan. El se va del grupo de rescate mientras que los "Walktalking " luchan con los agentes del FBI también vampiros, simplemente a la salida del cuartel el salta de como un 16 avo. piso a la calle y cae de rodillas diciéndoles a sus rescatadores cuando estan rodeados por la policia "fuí a buscar mi espada"

El sonido banda sonora de la película es brillante, se nota el efecto dolby en su plenitud. 10 puntos por la banda sonora de Ramin Djawadi. 10 puntos por los efectos especiales de Rory Cutler yMike Elizalde aunque esto último es previsible de ante mano. En fin, Carece del hilo narrativo agudo y la fresca claridad del cómic de los films anteriores, y recurre demasiado fácilmente a escenas de luchas sin orden que tienen tantos cortes que carece de cualquier tipo de forma o ritmo. Deja una irrefrenable sensación de ya vista. (...) mucha menos oscuridad y bastante más acción (sin sentido)

Hasta la semana que viene

Constantine

Constantine

Basada en el cómic de Garth Ennis Hellblazer, Constantine sigue la estela dejada por Hellboy con otra vuelta de tuerca al satanismo con alma de viñeta. El filme de Francis Lawrence juega la baza de la mitología oscurantista del inframundo en plan bizarro desatado, iconoclasta y desfasado. ¿Cómo verías la vida si ya hubieras visto la muerte en el infierno? Así es como se siente John Constantine , una especie de exorcista que ya está pegando fuerte en las pantallas de cine de todo el mundo con la película Constantine. Constantine ha sido desarrollado por Big Studios, en un intento de recuperar el género de horror en los videojuegos, aquellos que nos hacían saltar del sofá a todos cuando jugábamos a oscuras durante la madrugada. En este caso, dirigiremos a John Constantine a lo largo de catorce niveles, repartidos entre el infierno y la ciudad de Los Ángeles. Así, tendremos que resolver todo tipo de puzzles y laberintos, al tiempo que nos enfrentamos a todo tipo de seres sobrenaturales con nuestras armas sagradas: crucificadores, lanzaestacas o lanzallamas. Lo cierto es que hay que tener sangre para tirarse a la piscina con semejante empanada mental, hay que ser muy temerario para apostar por un proyecto tan contracorriente, tan incendiario. Prácticamente destartala todos los tópicos del cómic cinematográfico, sin salirse jamás de sus estrechas fronteras, haciendo bandera de lo políticamente incorrecto: Un exorcista resignado, con habilidades para discernir entre el bien y el mal, compulsivo fumador (como Hellboy), con cáncer terminal de pulmón, reñido con dios y sus acólitos.

Constantine es un híbrido único: teológico cine negro de acción. Y hasta que llega a su final irrevocablemente tontorrón, merece la pena verla. Aunque la historia es potencialmente fascinante y los efectos visuales a ratos también, la película en su conjunto se queda en el purgatorio de las mediocres. Un film lleno de acción, suspenso, misterios, entre Ángeles y demonios, la trama se vuelve asfixiante, te llena de emociones, es simplemente una de las mejores películas de este año. Los efectos digitales son lo máximo, excelente, una trama ágil, versátil, con mucha imaginación, no apto para cardiacos.No es de terror ni una sátira, ni una película sobre lo paranormal. es una mezcla extraña de todo eso. En ciertas ocasiones se convierte en surealista.

Hasta la próxima

Million Dollar Baby

Million Dollar Baby

"Million Dollar Baby" fue la triunfadora hoy en la ceremonia de entrega de los Oscar, al llevarse los premios de mejor película, mejor dirección (Clint Eastwood), mejor actriz (Hilary Swank) y actor secundario (Morgan Freeman). Con ese número de estatuillas no superó a su gran rival, "El aviador", que logró cinco Oscar pero ninguno de los "grandes".

Lo que se supone que es el tema central de la cinta, el boxeo, es en realidad un mero trasfondo de una historia humana que ensalza esos valores tan devaluados hoy en día como la fidelidad y la amistad. Porque ‘Million Dollar Baby’ es un mensaje que lanza la realidad a los soñadores, un golpe de advertencia para dejar muy claro que en esta vida nada es gratis.

El argumento de este knock out cinematográfico proviene de la adaptación del libro Rope Burns: Stories From the Corner, de Jerry Boyd, (verdadero nombre de F.X. Toole), un entrenador de boxeo de 70 años, por lo que la historia habla, huele, viste y respira exactamente como se hace en un cuadrilatero. Los diálogos son enternecedores a veces, devastadores en otras e hilarantemente cómicos cuando es necesario romper la tensión. Un guión que sumado a las tres fastuosas actuaciones, golpea una y otra vez al espectador, que sale de la sala molido por la tremenda paliza visual provocada por esta experiencia cinematográfica.

Es bastante difícil escribir sobre esta película porque desde lo emocional uno puede arruinarle la experiencia a los que no la vieron por el afán de expresar lo que se vivió en el cine. No es muy difícil hacerlo, sólo basta con leer los suplementos de espectáculos de los diarios. Son especialistas en el tema.

Prefiero arrancar una crítica de esta manera, como para dejar nuestra relación bien en claro... no soy parcial
Million Dollar Baby, quizás en la filmografía de este "gigante" se acerque más a Un mundo perfecto, aquella en la que además de dirigirla, la actuaba junto a Kevin Costner. Es ese tipo de historia... triste.

Como dato anecdótico… algunos de ustedes recordarán con crudeza una escena de Rocky; (antes de que se hiciera una burda telenovela cinematográfica) aquel diálogo de Rocky con Mickey, cuando le dice en medio de su pelea por el título —No puedo ver, córtame el párpado —, a lo que su entrenador responde con un buen tajo de su navaja. La escena me había impactado… hasta que Maggie le dijo a Frankie — Arréglame la nariz —. Vayan al cine y constaten por ustedes mismos.

El coraje, la determinación y la vida hechos película. ¿Se necesita algo más?
Clint Eastwood se merece un parche en un ojo. (...) Una película tan llena de vacío que se está en ella con las angustias y espasmos de un pez tirado en la cuneta.

Alejandro Magno

Alejandro Magno

Alexander de Oliver Stone cuenta la vida de una de las más grandes figuras de la historia del mundo, Alexander, un conquistador que con 25 años había conquistado el 90% del mundo conocido. Pasado y presente colisionan para formar un puzzle de este protagonista, una historia de tragedias y triunfos en la que recuerdos de la niñez y el crecimiento del poder de Alexander se comparan con el crecimiento y última caída de un imperio. Desde su juventud movido por la gloria y la aventura a su solitaria y dudosa muerte, desde sus relaciones con su familia y con su vasto ejército y compañeros de Guerra, la película cuenta las crónicas del viaje de Alexander en convertirse una leyenda viva: un hombre que se aferró al ideal de que el poder tiene un destino.

La película "Alexander", del director Oliver Stone, ha reavivado el interés y ha suscitado una serie de libros, documentales de televisión y artículos de revistas sobre el joven guerrero que conquistó la mayor parte del mundo conocido en su época llevando sus ejércitos de Macedonia hasta Egipto y la India.
No es una película hecha para rememorar unos hechos históricos sino que es importante porque nos puede ser muy útil (así que muchos de las criticas de la peli relativas a la historia no sirven para nada) en realidad la historia como cualquier otra información o conocimiento no sirve si al final no se puede procesar y conseguir algo para el mundo en que vivimos). La película de Hollywood es una reflexión sobre un personaje, completada con dinero Europeo porque los usa no quisieron arriesgar (también miedo quizás) con un proyecto serio y riguroso, a los ejecutivos tecnócratas les va más el dinero fácil de los peliculones de siempre, el director reconoce no obstante que puede meterle la tijera a la película para conseguir que sea vista en DVD por mucha más gente que se la perdió en los cines americanos, hace bien, merece la pena hacer un esfuerzo para que las cosas importantes que trata en el film puedan llegar al mayor número posible de gente.

Los medios como de costumbre siguieron con sus esquemas de siempre, ridiculizando el film, por ejemplo, si bien sobre la película en si son muchas cosas las que me gustan como los fastuosos decorados, la representación de Babilonia, el maravilloso vestuario, un más que magnifico Bucéfalo, las interpretaciones de Val Kilmer como Filipo, el impecable trabajo de Anthony Hopkins como Tolomeo, o la siempre hermosa Angelina Jolie como Olimpia (además esta vez me gusta también su actuación como actriz, pero que adorable arpía) las formaciones de la falange macedónica, la más que acertada representación de la sexualidad de Alejandro, ya que al menos para una buena parte de las fuentes históricas hablan de sus predilección por los hombres más que por las mujeres, la magnificencia y generosidad de Alejandro, su emotividad errática la banda sonora y que cuenten lo bueno y lo malo de este gigante (que no de estatura) entre los hombres.

Por ejemplo, los comentarios de la prensa convierten, o intentar convertir para el espectador medio, a la madre de Alejando en una simple mala. Sin embargo ella fue la que cuidó, fabricó, protegió, defendió y entronizó a Alejandro, uno de los más grandes personajes de la historia por inteligente y sabio (la cultura “paleta” griega y Aristóteles, supongo que habrán tenido alguna influencia) a pesar de ser un simple jovenzuelo guerrero bravucón... Detrás de todo hombre hay una mujer y en este caso es su inteligente y luchadora madre (con los recursos que tenía una mujer en aquella época). Se ve también los malos tratos (para nuestros ojos del siglo 21) a que era sometida por el padre de Alejandro, escena importante es un feedback que recrea la discusión entre la creadora y Alejandro...

La guerra, que sentido tienen las guerras. Creo que esto es uno de los puntos por los que Oliver Stone dice que Alejandro Magno es una película que merece la pena que llegue al gran público. La primera guerra que le permitió conquistar Babilonia al macedonio-griego deja ver la astucia del joven rey, y hay una escena importante en ver como apoya y arengan a las tropas, todos luchan por sus propios intereses, luchan por la libertad frente al enemigo más numeroso y mejor armado pero solo obediente y temeroso. Me recordó a Michael Moore en 9/11 Fahrenheit paseando a las puertas del congreso USA y preguntándole a los congresistas: “¿Mandaría usted a sus hijos a luchar a Iran?”. La guerra que le permitió a Alejandro conquistar Babilonia, una gran civilización, mucho más que la Grecia de esos momentos y que Alejandro tuvo la audacia de no destruir sino que intento asimilar, esa guerra, decía, fue una gran victoria pero Oliver Stone no olvido reflejar claramente la muerte y la destrucción que supuso... Y reflexionando: el barril de petróleo está a 40$ pudiendo estar a menos de 20$ (¡hijos de puta!), y hay una factura enorme (pudiendo haber acabado con el hambre en el mundo), y solo hay más violencia y destrucción.... y menos democracia y libertad...

Hasta la próxima
Crazyman
rbcrazyman@gmail.com

ELEKTRA

ELEKTRA

De las páginas de Marvel Comics, creadores de “X-Men” y “Spider-Man”, llega ELEKTRA, la primera gran película de acción del año. En la batalla final entre el bien y el mal resiste un guerrero que hace la elección que desequilibra la balanza.
No obstante, esta versión no comparte con Daredevil más que el personaje de Elektra y la actriz que lo interpreta -Jennifer Garner-, ya que su argumento no se molesta en explicar la relación entre ambos argumentos. El prestigioso Terence Stamp encarna a un ciego que instruye a la protagonista en los secretos de la lucha.

Decir que Daredevil encegueció a causa del golpe de un camión con material radioactivo, es parcialmente cierto... Porque ésa es sólo la mitad de la historia; la otra parte es que Daredevil encegueció por el amor de una mujer, pues por primera vez su juicio se nubló, haciéndole dudar sobre su concepción de bueno y malo. El nombre de esa mujer era Elektra.

Sus mortales armas eran inclementes y no hablo sólo de sus violentos sais manejados con maestría ninja, sino de sus pantalones de cuero entallados, su sensualérrimo escote y sus labios tentación.

En Alias interpreta a una espía, y en Elektra es una asesina. Los personajes de Jennifer Garner pueden tener cosas en común, la única diferencia entre la serie televisiva que la impulsó a la fama y la nueva película de la actriz, es que el filme es aburrido. En realidad las escenas de acción y los movimientos que realiza ya los hemos visto en la serie, o por lo menos aquellos que la seguimos, pero en este caso el personaje de la película no connota ni carisma ni expresión alguna. Elektra es un spinoff de la película del superhéroe ciego de los comics de Marvel, Daredevil.
La película ha sido dirigida por Rob Bowman, tras que los derechos que poseía Oliver Stone sobre este personaje expiraran hace unos años. El guión ha sido escrito por Raven Metzner y Stuart Zicherman, con algunos arreglos de Zak Penn.

Por desgracia, la imposibilidad del director Rob Bowman (Expediente X, El Imperio del Fuego) para mantener la atención del espectador, se debe más a la falta de audacia y de un argumento sólido del guión, que a su capacidad como realizador. La mayor parte del metraje adolece de ritmo, sobrecargado de escenas de diálogo (lo cual no sería malo si al menos tuvieran algún contenido) en perjuicio de las escenas de acción que, con cuentagotas, están del todo desaprovechadas. El mejor ejemplo lo tenemos en la parte en la que los cinco asesinos descubren el escondite de Elektra y la niña y los persiguen por un bosque. Hubiera sido un magnífico enfrentamiento, con grandes posibilidades de filmar una secuencia de acción, pero se malgasta en apenas unos pocos minutos y los temibles asesinos acaban reducidos a simples matones de barrio. Lo mismo, en menor medida tal vez, sucede con el clímax final, menos de lo que se espera de él.

Hasta la próxima
Crazyman

El Castigador

El Castigador

El personaje del Castigador nació hace ya tres décadas, en un momento en que una generación entera de norteamericanos sufría el trauma del Vietnam, mientras crecía la inseguridad ciudadana. En este contexto, la figura del policía violento, del vengador obsesivo, estaba más presente que nunca.

Marvel Comics presentó por primera vez a Frank Castle, el vigilante mejor conocido como The Punisher, en febrero de 1974, como personaje de soporte en The Amazing Spider-Man.

Castle arribó en una cultura popular que había respondido fuertemente a solitarios anti-héroes como el Popeye Doyle de Gene Hackman (Contacto en Francia / The French Connection) y el Harry Callahan de Clint Eastwood (Harry el sucio / Dirty Harry), policías que confrontaban al crimen urbano en sus propios términos.

Uno de los iconos de ese cine que exigía el ojo por ojo fue Harry el Sucio. Pero una mirada atenta nos muestra que el policía de Chicago se podía arropar bajo una curiosa ambigüedad; mientras en Europa se tildaba de fascista a Clint Eastwood y a su personaje, en Estados Unidos se le contemplaba como a un individualista obsesionado por la justicia y capaz de atacar a sus superiores, enfrentándose al sistema.

Tras ser guionista de títulos como “Jungla de Cristal. La venganza” o “Armageddon”, y productor ejecutivo de “Con Air” o “60 segundos”, Johnathan Hensleigh debuta como director con “El Castigador.

Ante la falta de nuevas ideas y siguiendo la última moda en Hollywood de explotar todo aquello que pueda plasmarse en una película, en estos últimos años le ha tocado el turno al mundo del cómic, de la que son ejemplos adaptaciones como las de Spiderman, X-Men o Hulk. The Punisher (título original), ya contó con una adaptación protagonizada por Dolph Lungred en los ochenta. En esta ocasión el elegido para dar vida a este antihéroe que salta de las páginas del cómic a la gran pantalla ha sido Thomas Jane, que se dio a conocer en cintas tan interesantes como Deep Blue See o Bajo Sospecha, y John Travolta, que da la réplica interpretando al villano de la película. Mueve la cámara el guionista de, entre otras, Las Aventuras del Joven Indiana Jones, Armaggedon o La Roca, Jonathan Hensleigh.

El Castigador es un film cuanto menos curioso, porque el que espere (incluido un servidor) encontrarse con una especie de Terminator vengativo aderezado con explosiones y efectos digitales saldrá decepcionado. El Castigador bordea la línea de la acción para centrarse en las emociones de los personajes, circunstancia que ya de por sí merece todo tipo de elogios, aunque sólo sea en grado de tentativa. Apenas encontramos secuencias movidas, los tiroteos se pueden contar con los dedos de una mano y por supuesto tampoco hay escenas grandilocuentes o espectaculares. Según el cristal con el que se mire, la película, sabedora de sus limitaciones, termina convirtiéndose en un grato pasatiempo que se disfruta en todo momento y que destaca por su simplicidad, y que trae a la memoria la estética desenfadada y cutre de los ochenta. Sin embargo la falta de medios es uno de los puntos que ensombrece un film a primera vista tan interesante como El Castigador, que en algunas ocasiones y debido a esas carencias presupuestarias tiene apariencia de telefilm de lujo, a lo que no contribuye demasiado la música de Carlo Siliotto, que con su estilo parsimonioso y dramático no acaba encajando en un film de estas características. Y es que aunque parezca mentira, la película pide a gritos una banda sonora mucho más ruidosa, incluso créanme si les digo que hubiera ganado muchos enteros con las canciones heavy-metal tantas veces criticadas en este tipo de producciones.

Esta nueva entrega de adaptaciones Marvel es como todas las demás, una película deplorable. La película nos cuenta la historia de Frank Castle, que al perder a su familia por una venganza se convierte en el castigador.
Publicado en "Las Publicaciones de Crazyman" del 14 de agosto de 2004
Este punto, tras 10 minutos de película hubiera sido el perfecto para que la película se acabara y poder catalogarla simplemente como mala. Porque apartir de ahí todo empeora aun más.

Los personajes están construidos mediante tópicos, el gordito, el rato, la guapa… y ninguno de ellos hace nada fuera de su registro. Los diálogos son superficiales, sin aportar nada en ningún momento, la película seria igual de mala si se quitarán.

Ni siquiera los efectos especiales se salvan, las explosiones son falsas, los tiroteos también y un par de hombres ardiendo que aparecen en la película se ve como llevan el pasamontañas y la cremita de especialistas o se nota claramente como son maniquís.

Resumiendo, los espectadores deberíamos aprender ya que de la saga Marvel (salvo los x-men que se podría decir que es una película correcta) no podemos esperar nada bueno. Ya que son adaptaciones de comics para adolescentes que en el cambio a la pantalla pierden hasta ese nivel, y se convierten en películas para descerebrados.

El Quinteto de la Muerte

El Quinteto de la Muerte

Publicado el "Las Publicaciones de Crazyman del 14 de agosto de 2004
Un remake de la comedia de 1955 nos da la oportunidad de la primera cinta donde los hermanos Coen toman (ambos) los créditos de dirección, y marca la tendencia clara de los hermanos de tocar humor de antaño (Crueldad Intolerable), y mantener las raíces sureñas explícitamente marcadas (¿Donde estas hermano?).

Cargada de ironía, con humor sutil y hasta recargado en ocasiones (más toon que ácido), este proyecto Coen no entra de lleno a lo más memorable de su carrera, pero nos ofrece una estilística y preciosista forma de narrar, con personajes exagerados, y un Tom Hanks que logrará arrancar sonrisas y hasta carcajadas de los que gusten del humor ácido e idiomático, sin que esto implique que esté a la altura de Fargo u otro de sus clásicos.

El actor ganador del Premio de la Academia Tom Hanks regresa a sus raíces en la comedia y se asocia por primera vez con los realizadores ganadores del Premio de la Academia Joel y Ethan Coen (“Fargo”, “O Brother, Where Art Thou?”) en su primera jocosísima comedia en más de una década, la nueva versión de Touchstone Pictures de la aclamada comedia de 1955, “The Ladykillers”.

Desde este film hasta “El amor cuesta caro” (2003), los Coen proponen una serie de elementos que caracterizan una poética propia. Como en “Educando a Arizona” (1987) y “Fargo” (1996), en “El quinteto de la muerte” aparece el patetismo pueblerino, en la pintura de una región. En este lugar, situado a orillas del Mississippi, conviven distintas épocas: los años ‘20 en el ámbito del personaje de la Sra. Munson, la cultura del hip-hop vinculada a la juventud, el siglo XIX en Goldthwait Higginson Dorr, Ph.D, e incluso una falsa intemporalidad, que combina gárgolas con tiendas de donas.

Por otro lado, como en “¿Dónde estás hermano?” (2000), el film establece vínculos paródicos con otros textos: Edgar Allan Poe, Mark Twain, la música gospel, la cultura del sur de los Estado Unidos, y el motivo temático del robo perfecto, retomado el año pasado en “Bienvenidos a Colinwood” (Anthony y Joe Russo, 2002) . De Poe, circulan varios relatos, identificables en la relevancia que alcanzan el retrato (El retrato oval, y la vívida apariencia de la figura), el cuervo en el puente (en el poema El cuervo) y el gato Pickles (como en El gato negro, Pickles acompaña incansablemente a la banda).

Esta película es una joya del humor negro. La hilaridad de la película se basa en situaciones que son más forzadas que cómicas.

Gracias a la virtuosidad del director y de los guionistas, William Rose, y a la interpretación de los actores, el film no se ha convertido en un melodrama o en una simple pose grotesca, sino que ha mantenido una hilaridad fácil y cómica. Los malos son escenificados de forma magistral.

El Alamo

El  Alamo

Publicado en el boletín de "SÁBADO DE NOCHE El Extra INDEPENDIENTE desprolijo y entreverado de Equinox de fecha 8 de agosto de 2004

Dirección: John Lee Hancock.
Año: 2004.
Guión: John Lee Hancock,
Stephen Gaghan y Leslie Bohem.
Producción: Brian Grazer,
Ron Howard y Mark Johnson.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Dean Semler.
Montaje: Eric L. Beason.
Diseño de producción: Michael Corenblith.
Dirección artística: Dan Webster y Lauren E. Polizzi.
Vestuario: Daniel Orlandi.
Pais: EEUU

Actores:
Dennis Quaid .... Sam Houston

Billy Bob Thornton .... Davy Crockett
Jason Patric .... James Bowie
Patrick Wilson .... William Travis
Emilio Echevarría .... Antonio Lopez de Santa Ana
Jordi Mollà .... Juan Seguin
Leon Rippy .... Sgt. William Ward
Tom Davidson .... Colonel Green Jameson
Marc Blucas .... James Bonham
Robert Prentiss .... Albert Grimes
Kevin Page .... Micajah Autry
Joe Stevens .... Mial Scurlock
Stephen Bruton .... Captain Almeron Dickinson
Laura Clifton .... Susanna Dickinson
Ricardo Chavira .... Private Gregorio Esparza (as Ricardo S. Chavira)
Sitio Oficial: http://www.thealamo.org//

Sinopsis
Cuando el mito se encuentra de bruces con la historia y la leyenda se topa con la realidad, los caminos se entrecruzan en San Antonio de Béjar y en su pequeña y abandonada misión: El Álamo. En la primavera de 1836, unos 200 tejanos –hombres de todas las razas que creen ciegamente en el futuro de Texas– resisten 13 días en el fuerte bajo el asedio del General Antonio López de Santa Ana (Emilio Echevarría), gobernador de México y comandante de su ejército. Bajo el mando de tres hombres –el joven y temerario Coronel William Travis (Patrick Wilson), el violento y apasionado James Bowie (Jason Patric), y la leyenda viva que representa Davy Crockett (Billy Bob Thornton).Los tejanos y sus hazañas en El Álamo pasarán a la historia como el grito de rebelión del General Sam Houston (Dennis Quaid) por la independencia de Texas y entrarán en la leyenda por su enorme significado simbólico.
El reparto:
John Lee Hancock, nacido en Longview, Texas en 1957 fue director de la película The Rockie en donde Denis Quaid en su papel de Jim Morris tuvo una lesión del hombro que acabó su carrera de lanzamiento de liga menor doce años atrás, Emilio Echevarria hace el papel del General Antonio Lopez de Santa Ana, nacido en Mexico es poseedor de una filmografa muy abundante entre las que figura : Die Another Day (2002) .... como Raul; Y tu mamá también (2001) .... como Miguel Iturbide; Morir en el golfo (1990)). Billy Bob Thornton ( El amor cuesta caro ; El hombre que nunca estuvo 2001; Armageddon (1998) representa a Davy Crockett.
Historia
La Mision San Antonio de Valero se fundó en 1 de mayo, 1718 a instancia de Padre Antonio de Buenaventura Olivares. Un punto parador, que fue necesitado entre San Juan Bautista y Tejas del este. El 5 de mayo, 1718 fecha en que que se fundó el Presidio San Antonio de Bexar, fué originalmente creado con una milla para lo del norte, y diez familias convenidas fuera del fuerte, forjando a la Villa de Bexar (el pueblo de Bexar). Es del Presidio que la ciudad de hoy de San Antonio toma su nombre.
Durante diciembre de 1835 y enero de 1836, la guarnición en San Antonio de Bexar fueron despojados de suministros y hombres para una correría intentada en Matamoros, Mexico. La correría fue abortada, pero los hombres y suministros no regresaron. Esto dejó al comandante, JC Neill, con aproximadamente 100 hombres y pocos comestibles. Houston general envió a Jim Bowie a San Antonio con órdenes para despojar el pueblo de cañón y suministros, entonces cree las fortificaciones y retírese a Gonzales. El concejo, sin embargo, quiso mantener a San Antonio, así es que enviaron a William Barrett Travis con órdenes a reclutar refuerzos. Travis llegó en 3 de febrero, 1836 con 29 hombres. En febrero, Neill tomó un permiso de ausencia, dejando a Travis y Bowie compartir la orden.

El General Antonio Lopez de Santa Ana, nació en Jalapa, el 21 de febrero de 1794, y sirvió en el Ejército realista hasta 1821, año en que se incorporó al Plan de Iguala, encabezado por Agustín de Iturbide . Se inició entonces el denominado periodo de las "revoluciones de Santa Anna", adhesiones, enfrentamientos y revueltas, a favor y en contra de los personajes más distintos: apoyó a Iturbide y después fue el artífice de su destronamiento; a favor de Guadalupe Victoria, alentó al mismo tiempo a quienes se rebelaron contra el presidente; declarado federalista, sin embargo siempre ejerció un poder dictatorial y centralista. Durante muchos años estuvo en el centro de todas las intrigas, levantamientos y conjuras que jalonaron la difícil supervivencia de la República.
A partir de 1833, fecha de su primera elección presidencial, se inició el proceso de sus ausencias interesadas, el nombramiento y destitución de presidentes y políticos, a los que manejaba a su antojo. Fue presidente y dejó de serlo en siete ocasiones. Su política llevó al levantamiento de los colonos texanos, que proclamaron su independencia. En 1836 Santa Anna tomó el fuerte de El Álamo. Poco después, fue derrotado y capturado por el ejército texano de Samuel Houston en la batalla de San Jacinto. Santa Anna se vio obligado a firmar el tratado que concedió a Texas su independencia. Fue puesto en libertad por el presidente estadounidense Andrew Jackson y regresó a Veracruz, donde en 1838 frustró el intento francés de tomar la ciudad, por lo cual fue aclamado como un héroe.
"El Alamo era una fortificación irregular, sin fuegos de flanco . . . Cuatro columnas fueron destinadas para el asalto. La primera . . . debía subir por el frente de Occidente que mira a la ciudad. La segunda . . . debía hacerlo por el frente que mira al Norte . . . La tercera . . . debía asaltar por el frente del Este que era el más fuerte . . . La cuarta columna . . . debía apoderarse de la entrada del fuerte . . . Este fué el plan general. . . "
--La Narrativa de José Enrique de la Peña
(David Crockett) Aventurero norteamericano (Limestone, Tennessee, 1786 - San Antonio, Texas, 1836). Nacido y criado en la frontera del sudoeste, representa el prototipo del cazador en lucha continua contra los indios. En 1812-13 el ejército utilizó sus servicios como explorador en la guerra contra los creeks. Sus hazañas le proporcionaron un prestigio entre sus vecinos, que aprovechó para hacerse elegir juez de paz, coronel de milicias, representante en la Legislatura de Tennessee y, por fin, congresista en la Cámara de Representantes (1827-31). Crockett fue elegido en las filas de los demócratas, llevando a Washington una muestra auténtica del estilo rudo y primario del Oeste, sobre el que se apoyaba el proyecto democrático del presidente Jackson; pero, demasiado violento y racista para los cánones de la política federal, rompió con Jackson por discrepancias acerca de la política que se debía seguir con los indios. Se pasó entonces a la oposición whig, con la que volvió a ser elegido miembro del Congreso en 1830-32. Por entonces recorrió la costa este dando mítines que consistían más bien en un espectáculo de narración de historias del salvaje Oeste. Siempre en busca de aventuras, se enroló con los rebeldes tejanos que luchaban por independizarse de México y murió en combate contra el general Santa Anna defendiendo el fuerte de El Álamo (1836). En los últimos años de su vida y, sobre todo, después de muerto, se convirtió en un símbolo del espíritu nacional americano tal como se revelaba en las duras condiciones de vida del Oeste, siendo manipulado hasta la saciedad por los diversos partidos políticos.
La perpetuación de este mito de El Álamo, es una explotación deshonesta de nuestra historia. La verdad es que los defensores de El Álamo combatieron por la supremacía blanca y la esclavitud. Esta última edición hollywoodense de la historia de El Álamo no es muy diferente de la última media docena de películas sobre El Álamo, como la de 1937: "Héroes de El Álamo". La saga de El Álamo más reciente fue el torpe esfuerzo de John Wayne de 1960, completo con una pesada partitura musical y un reparto de miles. Todas estas cintas caen inevitablemente en una categoría conocida como Ficción Cinematográfica del Hombre Blanco.

WMMF, como es más comúnmente conocida [por sus siglas en inglés], no permite un actor no-blanco en una película a menos que su personaje sea el de sirviente, cómico, o criminal. El resultado es que el hombre blanco es siempre el enfoque central, o héroe, de toda acción o evento que se esté mostrando, no importa cuáles sean los hechos históricos. La primera película de vaqueros, totalmente blanca: "El gran robo del tren de 1903", estableció el tono de esta mitología ficticia de la historia de la Frontera, de EE.UU.
Pero lo peor para México ocurrió cuando Estados Unidos arremetió con un ejército que venció en 18 minutos a los mexicanos. Para pagar su salvación, Santa Anna entregó oficialmente los territorios de Texas a los gringos. Hoy en día, Texas es un pujante miembro de los Estados Unidos. Su nombre original indígena derivado de la palabra "teychas", significa "amigos".

Van Helsing, Cazador de monstruos

Van Helsing, Cazador de monstruos

Publicado en el boletín del Sábado de noche, el desprolijo y entreverado del 31 de julio de 2004

Año 2004
Nacionalidad Estados Unidos y República Checa
Estreno 07-05-2004
Género Terror-Aventuras
Duración 132 m. Z
T. original Van Helsing
Productora: Universal Pictures

Ficha técnica
Dirección - Stephen Sommers
Guión - Stephen Sommers
Producción - Bob Ducsay y Stephen Sommers
Fotografía - Allen Daviau
Música - Alan Silvestri
Montaje Bob Ducsay Kelly Matsumoto

Ficha artística
Hugh Jackman .... Van Helsing
Kate Beckinsale .... Anna Valerious
Silvia Colloca .... Verona
Josie Maran .... Marishka
Tom Fisher .... Top Hat
Samuel West .... Dr. Victor Frankenstein
Robbie Coltrane .... Mr. Hyde
Stephen Fisher .... Dr. Jekyll (as Stephen H. Fisher)
Richard Roxburgh .... Count Vladislaus Dracula
David Wenham .... Carl
Shuler Hensley .... Frankenstein's Monster
Elena Anaya .... Aleera
Will Kemp .... Velkan
Kevin J. O'Connor .... Igor
Alun Armstrong .... Cardinal Jinette
Sitio Oficial: www.vanhelsingmovie.com

Sinopsis
En una época en la que hechos sobrenaturales invadían la vida diaria, en la que los cuentos suplían razones imaginativas para lo inexplicable y en la que criaturas míticas se deslizaban entre las sombras nocturnas... en esa época vivía un hombre que se enfrentaba solo a los misterios que se escondían en la creciente oscuridad: Van Helsing.

Gabriel Van Helsing (Hugh Jackman: X-Men como Wolverine/Logan, X-Men 2, Swordfish como Stanley Jobson, Kate & Leopold como Leopold Alexis, Elijah Walker Gareth, Thomas Mountbatten ) tiene un pasado maldito que no consigue recordar y una misión a la que no puede negarse. Una sociedad secreta le encarga que busque y venza a la Maldad que impera en el mundo, pero sus esfuerzos para liberar a la Tierra le han valido el título que le sigue a todas partes, el de asesino.

Van Helsing recorre el globo rechazado y huyendo de todos, una figura solitaria a la que persiguen los que no entienden su vocación.

Cuando sus patronos le mandan a Transilvania, descubre una oscura región anclada en el pasado donde legendarias criaturas de las sombras regresan a la vida, un lugar dominado por el malvado, eterno seductor e invencible vampiro, conde Vladislaus Dracula (Richard Roxburgh: Moulin Rouge como el Duque de Monroth, Misión imposible 2 como Hugh Stamp). He aquí la misión de Van Helsing: destruir a Drácula.

Anna Valerious (Kate Beckinsale: Señales de amor como Sara Thomas, Mucho ruido y pocas nueces como Hero, Pearl Harbor como la nurse Evelyn Johnson) protagoniza junto a Hugh Jackman (Operación Swordfish; nominado para un Globo de Oro al mejor actor en un musical o comedia por Kate y Leopold) es casi la última descendiente de una poderosa familia de sangre real a la que Drácula ha ido exterminando. Anna, cazadora intrépida, ha decidido vengar a sus antepasados y acabar de una vez con la vieja maldición matando al vampiro.

Van Helsing y Anna unen sus fuerzas para vencer al enemigo común y aniquilar el imperio del terror. Van Helsing, al retar al enemigo que nunca muere, descubrirá un secreto inimaginable y deberá enfrentarse a los misterios aún sin resolver que disimulan su oscuro pasado.

Reparto
El reparto que encabezan Beckinsale y Jackman se completa con un reparto internacional formado por David Wenham (El señor de los anillos: Las dos torres como Faramir, Cenizas y pólvora como Luke,
Moulin Rouge como Audrey), Shuler Hensley (Alguien como tu como Edie Alden), Will Kemp (Mindhunters como Rafe Perry ) y Kevin J. O'Connor (La momia como Beni Gabor)
El reparto de Van Helsing incluye también tres atractivos personajes femeninos, interpretados por tres actrices que hacen aquí su debut en la industria americana. La española Elena Anaya (nominada para un premio Goya por su trabajo en Lucía y el sexo como Belén Lozano), Silvia Colloca (protagonista de la serie italiana "Abogados" como Tania) y Josie Maran (The Mallory Effect como Mallory; ha sido modelo de la revista Sports Illustrated).

Rodaje
Decidimos rodar en Praga por una serie de razones”, dice Ducsay. “Algo más de la mitad de la película fue filmada en la República Checa, sobre todo exteriores y algunos decorados. Praga nos ofrecía mucho de lo que necesitábamos: un clima frío y lluvioso para los exteriores, un sinfín de extras con el aspecto físico que requeríamos y, sobre todo, edificios que tienen varios siglos de antigüedad”.

Algunas localizaciones encajaban con la visión fantástica que Sommers tiene de la Europa del siglo XIX, pero fue necesario construir muchos decorados en la República Checa (Estudios Barrandov y Estudios Praga) y otros en California (Estudios Playa Vista en Los Ángeles y Estudios Downey). El decorado más espectacular, sin lugar a dudas, es la reconstrucción de un pueblo de Transilvania en Kunratice, al lado de Praga, con plaza mayor, dos cementerios y más de una docena de estructuras de estilo “hiper” gótico, entre las que hay una iglesia con campanario de flecha.

Ducsay añade: “En los estudios Downey construimos el salón de entrada del castillo de Drácula, dos torres y un puente. Lo curioso es que tuvimos que construir el salón fuera de los platós, no cabía dentro, a pesar de ser un interior. Sólo rodábamos allí de noche, ninguna escena transcurría durante el día”.
El rodaje empezó en enero de 2003 en los estudios Barrandov de Praga. Después de varios días de rodaje en interiores, los actores y el equipo técnico se trasladaron a una fortaleza del siglo XV a unos 90 kilómetros de Praga, el castillo de la familia Valerious.

A continuación rodaron una escena en el barrio Kampa de Praga y otra en un mausoleo del cementerio Olsany antes de pasar a la antigua catedral de San Nicolás para filmar la complicada escena del baile que ofrece el conde Drácula en el palacio Vilkova.

Para convertir esa antigua catedral secularizada en una sala donde tuviera lugar “el baile de máscaras más asombroso de toda la historia”, según Sommers, fue necesario desmontar todo el coro y colocar madera en el suelo de cemento. Se instalaron biombos para ocultar los confesionarios, no se tocaron las estatuas y se añadieron candelabros y espejos. Decorar el edificio fue todo un reto, pero rodar allí fue aún peor. El equipo tenía prohibido clavar cualquier cosa en la estructura lo que obligó a los cámaras y a los eléctricos a cambiar sus técnicas. Se usaron 1.400 velas falsas hipocalóricas que quemaban aceite ya que también se prohibió el uso de velas tradicionales.

A pesar de todas las dificultades, y con una temperatura interior que nunca pasó de cero grados (“Me sorprende que no se nos note la cara de frío”, dice Beckinsale), la belleza del edificio fue el perfecto telón de fondo para la atmósfera circense que deseaba obtener Sommers. Según él, “Si Drácula diera un baile, ¿cómo sería? Retorcido y extraño, con hombres que escupen llamas, malabaristas, acróbatas y equilibristas”.

Tiempo Límite

Tiempo Límite

Publicado el 31 de julio de 2004 en el boletín del Sabado de noche, el desprolijo y entreverado.
Título original: Out of Time
2003
Estados Unidos
Thriller - Policial - Drama
Film - color - 114' - inglés
Apta mayores de 13 años
Dirección: Carl Franklin
Guión: David Collard

Elenco:
Denzel Washington
.......... Matt Lee Whitlock
Eva Mendes
.......... Alex Diaz Whitlock
Sanaa Lathan
.......... Ann Merai Harrison

Dean Cain
.......... Chris Harrison
Fotografía
Theo Van de Sande

Edición
Carole Kravetz

Música
Graeme Revell

Sonido
Walter Anderson
John Bires
Martin Schloemer

Diseño de Producción
Paul Peters
Escenografía
Kathryn Peters
Sitio Oficial de la película: http://www.outoftimemovie.com/

Resumen argumental: Un policía de un pueblo de la Florida estadounidense (Denzel Washington), simpático y tarambana, tiene una aventura con una mujer casada (Saana Latham) al tiempo que tramita el divorcio con su propia esposa, también policía (Eva Mendes). Este es el punto de partida de una serie de confusos acontecimientos que convierten al protagonista en el principal sospechoso de un doble asesinato que su propia mujer debe investigar.
Policial de barroco guión que explora las relaciones entre la novela negra y la comedia disparatada. Con referencias a films clásicos de los años 40 y a la literatura de Dashiell Hammet y James M. Cain, este film marca el reencuentro del director Carl Franklin y el actor Washington, quienes habían trabajado en otro policial, El demonio vestido de azul.Comienza el desarrollo y, dejando pasar por alto algunas obviedades, trama y clima acentúan la impresión. Entonces crece la esperanza de que el director Carl Franklin haya retornado, aunque sea parcialmente, a la senda de su estupendo primer film estrenado en la Argentina: Un paso en falso. Hasta hay algunos paralelismos con ese oscuro thriller ambientado en un pueblito de Arkansas (primer guión firmado por el actor Billy Bob Thornton junto a su colega Tom Epperson). Pero, lamentablemente, las expectativas comienzan a diluirse al promediar el metraje. Si bien Franklin -un ex actor afroamericano que mantuvo la promesa con la siguiente El demonio vestido de azul, para luego dejarla caer- se esfuerza notoriamente por crear atmósferas y montar una puesta en escena a la vez ágil y tortuosa, debe lidiar con un scrip que derrapa con prisa y sin pausa hacia los sitios menos aconsejables si se pretende facturar un drama intenso de sospechas, ambigüedades y tensiones.
Al lado de Washington se luce Sanaa Lathan (Ann Merai), quien supo encontrar el registro apropiado a su personaje y al film que pudo haber sido. Lo mismo hizo Dean Cain con su tortuoso Chris. Eva Mendes, en cambio, sintonizó muy bien con la propuesta inverosímil del guión y ofrece oportunidades para involuntarias carcajadas.

Correcta en otros ítems (es destacable la acertada iluminación de Theo van de Sande), Tiempo límite no deja de probar que Franklin es un profesional capacitado a la espera de una nueva oportunidad.
Si lo que va a sucederle al jefe es previsible, al menos Franklin juega respetablemente al suspenso, aunque copiándose —mucho y desembozadamente— de Sin salida (1987), en la que el oficial naval Kevin Costner, enamorado de una mujer casada, debía rogar porque no lo descubrieran en Washington —aquí Washington, o sea Denzel, tiene un compañerito tan compinche como Costner dentro de la policía—.
Con muchas vueltas de tuerca, más alguna escena de acción exagerada, directamente de otra película, Tiempo límite entretiene, que es lo que se propone en primera y única instancia. Denzel Washington juega al policía bueno, que si da un paso en falso es por amor. Bueno, de acuerdo, si nadie es perfecto, tampoco puede tener tanta buena suerte...

Las invasiones bárbaras

Las invasiones bárbaras

Publicado en el Equinox, fin de semana , prensa libre del 9 de julio de 2004
Dirección y guión: Denys Arcand.
Países: Canadá y Francia.
Año: 2003.
Duración: 99 min.
Interpretación: Rémy Girard (Rémy), Stéphane Rousseau (Sébastien), Marie-Josée Croze (Nathalie), Marina Hands (Gaëlle), Dorothée Berryman (Louise), Johanne Marie Tremblay (Constance), Yves Jacques (Claude), Pierre Curzi (Pierre), Louise Portal (Diane), Mitsou Gelinas (Ghislaine), .
Producción: Denise Robert y Daniel Louis.

Música: Pierre Aviat.
Fotografía: Guy Dufaux.
Montaje: Isabelle Dedieu.
Dirección artística: François Séguin.
Vestuario: Denis Sperdouklis.
Estreno en España: 19 Diciembre 2003.
Sinopsis

Rémy (Rémy Girard), divorciado, 50 años y pico, está hospitalizado. Louise (Dorothée Be-rryman), su ex mujer, llama a Sébastien (Stéphane Rousseau), el hijo de ambos, que vive en Londres. Sébastien se lo piensa; hace tiempo que él y su padre no tienen nada de que hablar. Por fin deci-de volver a Montreal para ayudar a su madre y apoyar moralmente a su padre. Nada más llegar, Sébastien remueve cielo y tierra, hace uso de sus contactos y sacude el sistema para hacer más llevadera la enfermedad de su padre. Se le ocurre volver a reunir a la alegre pandilla que marcó el pasado de Rémy: parientes, amigos y ex amantes. ¿Qué habrá sido de ellos en esta época de “invasiones bárbaras”? ¿Seguirán tan irreverentes, truculentos y buenos amigos como antaño? ¿Tendrán aún sueños llenos de humor, epicureísmo y deseo? En esta época de invasiones bárbaras, el declive del imperio americano


Referencias

* Dirige Denys Arcand (1941), cuya filmografía está conformada por las películas La maudite Galette (1972), Réjeanne Padovani (1973), Gina (1974), Le confort et l'indifférence (1982), Le crime d'Ovide Plouffe (1984), El declive del imperio americano (1986), Jesús de Montreal (1989), un episodio de Montréal vu par... (1991), La verdadera naturaleza del amor (1994), Joyeux Calvaire (1996) y Stardom (2000). También ha realizado dos documentales, On est au cotton (1979), acerca de la situación de los obreros que trabajan en la industria textil en Canadá, y que fue censurada durante seis años suscitando una enorme controversia en ese país, y Québec, Duplessis et après (1972), que describe las secuelas políticas después del reinado del primer ministro de Quebec, Maurice Duplessis.

*
Entre sus protagonistas destaca la presencia de Marie-Josée Croze (Ararat) que consiguió el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes 2003.
* Es la segunda parte de El declive del imperio americano (1986) y vuelve a contar con la mayor parte de sus protagonistas.

*
El director de fotografía es Guy Dufaux (Polish wedding, Ojos que te acechan).
*
Consiguió el premio al mejor guión en el Festival de Cine de Cannes 2003.
*
Fue candidata a los Premios de Cine Europeo 2003 a la mejor película internacional.
* Consiguió el premio a la mejor película en el Festival de Cine de Toronto 2003 y
se presentó en la sección oficial del Festival de Cine de Valladolid 2003.
* Fue candidata a 2 Oscar, los correspondientes a mejor película extranjera y guión original.

Los soñadores

Los soñadores

Publicado en el Equinox Sábado de noche, el desprolijo y entreverado del 3 de julio de 2004.

Título original The dreamers
Nacionalidad Reino Unido
Año 2003
Género Drama
Formato Color
Duración120
Director Bernardo Bertolucci
Guión Gilbert Adair
Fotografía Fabio Cianchetti
Música Rock de los 60 variado.
Producción Coproducción GB-Francia-Italia
Reparto Michael Pitt, Louis Garrel, Eva Green, Robin Renucci, Anna Chancellor, Florian Caidou.
Sitio Web de la Película

Sinopsis Enmarcada en el turbulento escenario político francés de la primavera del 68, cuando la voz de la juventud tronaba en toda Europa, tres jóvenes estudiantes se prueban mutuamente para saber hasta dónde son capaces de llegar. Isabelle y su hermano Theo se quedan solos en París mientras sus padres se van de vacaciones. Así las cosas, deciden invitar a un joven estudiante norteamericano, Matthew.


Entregados a su libre albedrío, experimentan mutuamente con sus emociones y sexualidad y desarrollan una serie de juegos psicológicos cada vez más absorbentes.

Referencias

* Dirige el italiano Bernardo Bertolucci (1941), cuya filmografía está compuesta por La commare secca (1962), Antes de la revolución (1964), Partner (1968), La estrategia de la araña (1970), El conformista (1979), El último tango en París (1972), Novecento 1900 (1976), La luna (1979), La historia de un hombre ridículo (1981), El último emperador (1987), El cielo protector (1989), El pequeño Buda (1993), Belleza robada (1996) y Asediada (1998).

* Está protagonizada por los franceses Louis Garrel (hijo del cineasta Philippe Garrel), que ha intervenido hasta ahora en Ceci est mon corps (2000) y la debutante Eva Green (hija de la actriz francesa Marlène Jobert) que procede del teatro, y el americano Michael Pitt (Dawson crece, Bully, Asesinato... 1, 2, 3, Hedwig and the angry inch) que fue seleccionado entre más de doscientos candidatos.
* También intervienen Robin Renucci (Confesiones íntimas de una mujer), Anna Chancellor (Mientras haya hombres, Corazón) y el veterano Jean-Pierre Léaud haciendo un cameo.

* Se basa en la novela de Gilbert Adair, The holy innocents (1988), autor otra novela que también fue llevada al cine, Amor y muerte en Long Island. Él mismo se encargo de escribir el guión de la película.

* Está producida por Jeremy Thomas, productor habitual de las películas del director desde los años ochenta.


* El director de fotografía es Fabio Cianchetti, que ya trabajó con Bertolucci en Asediada.

* Para su distribución en Estados Unidos, que tendrá lugar en 2004, la película sufrirá algunos cortes en escenas que muestran desnudos explícitos.

* Su título inicial iba a ser Paris '68.

* Aunque algunas de las localizaciones no presentaron inconveniente alguno en permitir el rodaje, como la Cinémathèque original y el Louvre, donde los tres protagonistas recrean el famoso sprint que se ve en Banda aparte, de Godard, otras se evidenciaron impracticables.

* Se presentó en el Festival de Cine de Venecia 2003 y en la sección Zabaltegi del Festival de Cine de San Sebastián 2003.

* El rodaje se inició el 18 de julio de 2002 en París con un presupuesto de 15 millones de euros, y se prolongó hasta finales de septiembre de ese año.

HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN

HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN

Publicado en el "SÁBADO DE NOCHE El Extra INDEPENDIENTE desprolijo y entreverado de Equinox Fin de Semana" de fecha 20 de junio de 2004.

Cornelius Fudge:

Robert Hardy
Albus Dumbledore:

Michael Gambon
Profesora Sibyl Trelawney:

Emma Thompson
Ron Weasley:

Rupert Grint
Hermione Granger:

Emma Watson
Sirius Black:

Gary Oldman
Harry Potter:

Daniel Radcliff

Título original: Harry Potter y el prisionero de Azkabán Distribuidora: Warner
Género: Aventura Año de producción: 2004
Guión: Steven Kloves Producción: Tanya Seghatchian Fotografía: Michael Seresin Producción: David Heyman Dirección: Alfonso Cuarón Música: John Williams Idioma: Inglés Duración: 136 minutos
Formato: No disponible

El tercer año de colegio de Harry se inicia con problemas en casa de sus padres adptivos. Pero poco sabe el pequeño mago que el amigo que traicionó a sus padres reales se ha fugado y tiene la intención de matarle a él. Si no ha leído los libros, descubrirá en esta tercera parte de la saga la reconstrucción de los incidentes de la traición a sus padres.
Por la cicatriz que lleva en la frente, sabemos que Harry Potter no es un niño como los demás, sino el héroe que venció a lord Voldemort, el más temible y maligno mago de todos los tiempos y culpable de la muerte de los padres de Harry. Desde entonces, Harry no tiene más remedio que vivir con sus pesados tíos y su insoportable primo Dudley, todos ellos muggles, o sea, personas no magas, que desprecian a su sobrino debido a sus poderes.
Igual que en las dos primeras partes de la serie - La piedra filosofal y La cámara secreta - Harry aguarda con impaciencia el inicio del tercer curso en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. Tras haber cumplido los trece años, solo y lejos de sus amigos de Hogwarts, Harry se pelea con su bigotuda tía Marge, a la que convierte en globo, y debe huir en un autobús mágico. Mientras tanto, de la prisión de Azkaban se ha escapado un terrible villano, Sirius Black, un asesino en serie con poderes mágicos que fue cómplice de lord Voldemort y que parece dispuesto a eliminar a Harry del mapa. Y por si esto fuera poco, Harry deberá enfrentarse también a unos terribles monstruos, los dementores, seres abominables capaces de robarles la felicidad a los magos y de borrar todo recuerdo hermoso de aquellos que osan mirarlos. Lo que ninguno de estos malvados personajes sabe es que Harry, con la ayuda de sus fieles amigos Ron y Hermione, es capaz de todo y mucho más.
La tercera parte de la saga de aventuras de Harry Potter podría destacarse por una estética visual más impactante y un manejo técnico de la imagen que aporta su nuevo director, el mexicano Alfonso Cuarón.
La serie de películas sobre Harry Potter comenzó en el 2001; la secuela vino un año después y todo parecía indicar que en el 2003 se estrenaría el tercer filme, pero fue cuando el director de las dos primeras cintas, Chris Columbus, decidió fungir sólo como productor y pasar la estafeta en la dirección a otra persona. El mexicano Alfonso Cuarón fue el elegido y los resultados no desmerecen en "Harry Potter y El Prisionero De Azkaban" ("Harry Potter And The Prisoner Of Azkaban").
FICHA DE LA PELICULA DE HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN
Dirección: Alfonso Cuarón.
País: USA.
Año: 2004.

Personajes:
- Daniel Radcliffe (Harry Potter),
- Emma Watson (Hermione Granger),
- Rupert Grint (Ron Weasley),
- Robbie Coltrane (Hagrid),
- Gary Oldman (Sirius Black),
- Michael Gambon (Albus Dumbledore).

Guión: Steve Kloves; basado en la novela de J.K. Rowling.

BIOGRAFIA DE LOS PERSONAJES DE HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN

Nombre: Daniel Alan Radcliffe.
Fecha de nacimiento: 23 de Julio de 1989.
Nacimiento: Londres, Inglaterra.
Personaje: Harry Potter (en Harry Potter)
Signo: Leo.
Apodos: Dan, Danny
Padres: Marcia Greshman, directora de casting y Alan Radcliffe, agente literario.
Hermanos: No tiene.
Mascotas: Binka y Nugget (perros).
Ojos: Negros (azules en las películas porque usa lentes de contacto).
Pelo: Negro.
Música: REM, U2, algunas canciones de Sum41.
Filmografia:
-Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004).
-Harry Potter y la Cámara Secreta (año 2002).
-Harry Potter y la Piedra Filosofal (año 2001).
-The Tailor of Panama (año 2001).
-David Copperfield (año 1999).

Nombre: Emma Charlotte Duerre Watson.
Fecha de nacimiento: 15 de Abril de 1990.
Nacimiento: Oxford, Inglaterra.
Personaje: Hermione Granger (en Harry Potter)
Signo: Aries.
Apodos: Em.

Pelo: Castaño claro tirando a rubio.

Ojos: Marrón claro.

Nombre: Rupert Michael Grint.
Fecha de Nacimiento: 24 de Agosto de 1988.
Nacimiento: Hertfordshire, Inglaterra.
Personaje: Ronald Weasley (en Harry Potter)
Signo: Virgo.
Padres: Jo y Nigel Grint.
Hermanos: James, Georgine, Samantha, Charlotte.
Pelo: Rojo.

Ojos: Verdes
Música: Rap

Película: Any Jim Carey
Filmografía
-Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004).
-Harry Potter y la Cámara Secreta (2002).
-Thunderpants (2002).
-Harry Potter y la Piedra Filosofal (2001).
Nombre : Thomas Andrew Felton.
Fecha de nacimiento: 22 de Septiembre de 1987.

Nacimiento: Londres, Inglaterra.
Personaje: Draco Malfoy (en Harry Potter)

Vive: Surrey, UK.
Signo: Libra.

Mano: Izquierda.

Pelo: Rubio.

Ojos: Azules.

Hermanos: 3 mayores que él.

Hobbies: Fútbol Americano, Patinaje sobre Hielo y con Ruedas, el Baloncesto, el Críquet, la Natación y el Tenis.

Otro Talento: Cantar.

Películas:
- The Borrowers,
- Ana y el Rey,
- Harry Potter y La Piedra Filosofal,
- Harry Potter y La Cámara Secreta.

Música Preferida: Rap como Eminem, etc.

Hasta la próxima

Océano de fuego (Hidalgo)

Océano de fuego (Hidalgo)

Publicadoen el "SÁBADO DE NOCHE El Extra INDEPENDIENTE desprolijo y entreverado de Equinox Fin de Semana" de fecha 12 de junio de 2004.

Genero: Acción-Aventura
Duracion: 136 min
Clasificacion: 14 años
Director: Joe Johnston


Actores principales: Viggo Mortensen .... Frank Hopkins Zuleikha Robinson .... Jazira Omar Sharif .... Sheikh Riyadh Louise Lombard .... Lady Anne Davenport Adam Alexi-Malle .... Aziz Saïd Taghmaoui .... Prince Bin Al Reeh Silas Carson .... Katib Harsh Nayyar .... Yusef J.K. Simmons .... Buffalo Bill Cody Adoni Maropis .... Sakr Victor Talmadge .... Rau Rasmussen Peter Mensah .... Jaffa Joshua Wolf Coleman .... The Kurd Franky Mwangi .... Slave Boy Floyd 'Red Crow' Westerman .... Chief Eagle Horn (as Floyd Red Crow Westerman) more
Links: Sitio Oficial


Toda una leyenda en su época y para el tiempo ha sido y sigue siendo FRANK T. HOPKINS, un vaquero que alguna vez luchara dentro del ejército americano, pero cuyas proezas se hicieron sentir mas bien como parte del binomio junto con su caballo pinto llamada “HIDALGO”.
Film de aventuras que a comienzos del siglo XXI intenta rescatar la fórmula de los entretenimientos hollywoodenses de mediados del siglo XX: un héroe invencible, escenarios exóticos, épocas pasadas, grandes presupuestos.

"Hidalgo" Es una aventura épica de acción y un viaje de redención personal de un hombre. Una increíble historia auténtica vuelve a la vida cuando el más grande jinete del oeste americano se enfrenta con los mejores jinetes y caballos árabes del mundo. Esta película fue duramente criticada por medios y especialistas por basarse vagamente en la vida del jinete Frank Hopkins, a su vez acusado de haberse forjado un prestigio de leyenda inventándose aventuras de las que no hay evidencia histórica.

El motivo principal y casi único para ver Océano de fuego es Viggo Mortensen. Para mucha gente, sobre todo damas, con verlo es suficiente; para un espectador menos entusiasmado por los atributos físicos del actor, y más interesado en la figura sobre la cual está basada la cinta, Frank T. Hopkins, una leyenda del viejo oeste, la cinta tendrá sus asegunes.

Primer protagónico de Viggo Mortensen tras su rol de Aragorn en la trilogía de El Señor de los Anillos. En un rol secundario de un sheik árabe aparece el veterano actor egipcio Omar Sharif.

La carrera conocida como el Océano de Fuego, que se celebró todos los años durante siglos, era una prueba de supervivencia de 3.000 millas por el desierto de Arabia y constituía un reto que sólo los mejores caballos árabes podían superar, la raza más pura y noble, propiedad de las poderosas dinastías reales. En 1890, un rico jeque invitó a un americano y a su caballo a participar por primera vez en la carrera. Frank T. Hopkins era un cowboy y un jinete de expediciones perteneciente al cuerpo de Caballería de Estados Unidos declarado el mejor jinete de la historia del Oeste.

El jeque quiso poner a prueba sus pretensiones, enfrentando al jinete americano y su caballo, Hidalgo, contra los mejores caballos árabes y los mejores jinetes beduinos -algunos de los cuales recibieron órdenes de impedir que el extranjero consiguiese terminar la carrera. Para Frank, en el Océano de Fuego no sólo estaba en juego su orgullo y su honor, sino también su supervivencia ya que tanto él como su caballo intentaban hacer realidad una hazaña imposible.

Si usted quiere ver a Viggo Mortensen, vea Océano de fuego, si quiere saber más de Frank T. Hopkins, mejor consígase su libro, se llama Hidalgo, como la película.


Hasta La próxima

Robando vidas

Robando vidas

Publicado en el boletin de fin de semana, prensa libre de fecha 3 de junio de 2004.

Dirección: D.J. Caruso.
País: USA.
Año: 2004.
Interpretación: Angelina Jolie (Illeana Scott), Ethan Hawke (James Costa), Kiefer Sutherland (Martin Asher),
Olivier Martinez (Detective Paquette), Tchéky Karyo (Capitán Le Claire), Jean-Hughes Anglade (Detective Duval), Gena Rowlands (Sra. Asher), Justin Chatwin (Matt Soulsby).
Guión: Jon Bokenkamp; basado en la novela de Joseph Pye.
Producción: Mark Canton y Bernie Goldmann.
Música: Philip Glass.
Fotografía: Amir Mokri.
Montaje: Anne V. Coates.
Diseño de producción: Tom Southwell.
Dirección artística: Serge Bureau.
Vestuario: Marie-Sylvie Deveau.

Una destacada investigadora del FBI, la agente especial Illeana Scott (Angelina Jolie) no confía en las técnicas tradicionales de resolución de crímenes para desentrañar los misterios de una mente criminal.

Su método intuitivo y poco convencional a menudo supone una diferencia crucial entre atrapar a un asesino y enviar un caso sin solucionar al archivo de casos cerrados.
Cuando los detectives de Montreal que están llevando a cabo una investigación sobre un homicidio en la zona piden a su pesar la ayuda de una persona ajena para adentrarse en la mente de un astuto asesino en serie, la agente Scott entra en el caso.
Con meticulosa perspicacia, sugiere la teoría de que el camaleónico asesino está asumiendo la vida y la identidad de sus víctimas. A medida que crece la presión para capturar al escurridizo asesino, los poco ortodoxos métodos de la agente Scott la distancian de un equipo de policía territorial que se siente amenazado por sus extrañas facultades. Su comportamiento aparentemente frío oculta una pasión sin igual por su trabajo, y su mejor momento es cuando está trabajando sola.
Pero cuando una inesperada atracción desencadena un complicado enredo amoroso, la consumada especialista empieza a dudar de su afinado instinto. Sola en una ciudad desconocida y sin nadie en quien pueda confiar, la agente Scott se encuentra de repente inmersa en un viaje complicado y aterrador, rodeada por sospechosos en un caso que se ha vuelto espeluznantemente personal. Sola, en una ciudad poco familiar en donde no puede confiar en nadie, se encuentra derepente en una enredada y terrible odisea, rodeada de sospechosos en un cas o que se ha convertido escalofriantemente personal.
Envuelta ya en un halo de personajes violentos y llenos de acción, Angelina Jolie encarna en Robando vidas (Taking Lives, 2004) a la intrépida y poco ortodoxa agente del FBI Illeana Scott, cuyas aptitudes la clasifican como una mujer difícil, aunque eficiente.

Dicha fama trasciende las fronteras de su país y llega a oídos de unos detectives canadienses que están investigando un difícil caso de un asesino en serie perturbado y obsesionado en no sólo asesinar a sus víctimas, sino en robarles literalmente su identidad.

Hasta la próxima

El Dia después de mañana

El Dia después de mañana

Publicado en el boletín de "SÁBADO DE NOCHE El Extra INDEPENDIENTE desprolijo y entreverado de Equinox Fin de Semana de fecha 6 de junio de 2004

Vistes lo que dijo el periódico sobre la película de estreno. Cuantas estrellas le dió el Diario "El Criticón". Y si Juan, cuanto hace que la estaban promocionando. Hay que verla.

Vos decís eso Pablo, escuchaste la Radio Metiche en el programa "Critiquemos a los cineastas". Fíjate che, que esos no quieren ni a su abuela. Aplaudieron como condenados el dictamen de los del Norte. Mirá si los del Norte la promocionaron tanto, es que hay que verla.

Entonces la vamos a ver el fin de semana si te parece. Ok. .... Ok.

¿Qué pasaría si estuviéramos al borde de una nueva Epoca Glacial? No tendrás que esperar mucho para saberlo. Gracias a Ronald Emmerich tendremos un fast forward de lo que podría ocurrirle a nuestro planeta.
Y por cierto también a los norteamericanos, ya que por primera vez en un cinta de destrucción se voltean los papeles y son ellos quienes cruzan ilegalmente las fronteras de La tendencia a la

Destrucción del mundo, de un modo u otro, no cede terreno México para huir de la devastación:. Deep Impact, Independence Day y Armageddon lograron buena o excelente taquilla y, recientemente, The Core no destacó pero al menos mantuvo la idea en la mente de los espectadores.

Gran parte de esta hecatombe fue creada por computadora con ayuda de un escáner láser que permitió recrear detalles reales de las ciudades, pero también se crearon sets en Hawai para darle vida a la destrucción que provoca un huracán y en Montreal, donde se recrearon las calles de Nueva York y exteriores de la ciudad de Nueva Delhi, una escena para la que se necesitaron mil extras.

Opinión

La película se sustenta en hechos pseudo-científicos, con relleno humanista y un final feliz para la raza humana (sacado de los pelos pero …)

Tiene por momentos, algo de humor y gracia como es el caso del que vive de la calle, el mundo se viene abajo pero el policía en la Biblioteca Nacional de Nueva York no deja entrar al mismo porque no esta permitido (Un perro lo adquirió a él).

Se basa en la ruptura de las placas tectónicas que unen la Antártida y que produce tal caudal de agua dulce al mar que unido a la corriente, genera un cambio de salinidad abrupta en todo el océano del planeta. Asi como fue la era de los dinosaurios, su nacimiento, apogeo y muerte es algo similar, salvo que para destruir los dinosaurios los paleontólogos nos quieren vender el verso de un meteorito en Yucatán. Aca, se da la ruptura de las placas tectónicas en la Antártida.
Excelentes efectos para cine catástrofe. Argumento pobre. Interesante autocrítica en cuanto a la visión de USA hacia Latinoamérica. es una película mediocre con increíbles efectos especiales. pero si van esperando toparse con algo asi como "Dia de la Independencia" , "Armaggedon" o "la tormenta perfecta", entonces ahórrense el dinero y gástenlo en una linda cena. .Es increíble como insisten en poner al presidente de los EEUU como el ciudadano mas bueno del mundo....JAJ !!!!! se queda hasta el final y muere al sacarlo como si no fuese el primero en rajar. Muy buenos los efectos especiales. Pero el final......deja mucho que desear......
Me sonó a que querían terminarla rápido y en dos segundos se arregló todo.

Hollywood con su grandeza, y marketing nos pretenden vender el buzón de que nosotros los sudacas somos analfabetos. Pasaran con algunos países de América Latina, siempre pensarán que somos incapaces de discernir a la hora de dar un dictamen sobre una película.

Siempre que hayan críticos que a la hora de dar un dictamen honesto y fiel sobre una película, estos acaten las normas provenientes de Hollywood y dictaminasen que la película "Fulana de tal" sea mejor por las normas de Hollywood estarán diciéndonos que nosotros los cinéfilos, los que amamos el cine y la pantalla grande no tenemos capacidad de criticar (pero justo en este film este icono que representa Hollywood es borrado del mapa por los huracanes que se forman enla ciudad de Los Angeles.)

Referencias

1. El Día Después de Mañana

2. Creando el mundo

Hasta la próxima