¡Chof!, cierro, me mudo, e inicio un proyecto diferente, proximamente pondré mi nueva dirección; 354 visitas en cerca de 20 posts, 338 españoles, 15 desde paises sudamericanos e incluso una visita desde USA (¿será Bush?, ¿será Bush?, ¡que sea Bush!). Lo mejoraré (y conseguiré a gente de San Marino, no como otros...). Y punto.

NUEVA UBICACIÓN: Un Blog De Cine

¡Basta ya de hipocresía en las críticas!

Esta noche me dispongo a ver dos películas: "Imagining Argentina" y "Thirteen". La primera de ellas ha sido machacada por la crítica hasta sangrar mientras que la segunda ha sido elogiada por cualquier revista o medio que haya decidido hablar sobre ella así que, cuando pongo la primera de ellas, "Imagining..." no albergo mucha esperanza en cuanto a su resultado.

IMAGINING ARGENTINA, de Christopher Hampton (2004).



Rescato la fotogramas del mes pasado para leer las críticas de "Imagining Argentina" y vaya, el panorama no se presenta nada esperanzador para la película, así que me lo pienso un par de veces antes de decidir verla. No se... pienso, Antonio Banderas ha hecho mucha campaña por la película y no suele ser de ese tipo de actores que van poniendo el culo en favor del marketing... que demonios. Al rato la película ya estaba empezando y una coca cola y una bolsa de patatas me prometían una excelente velada. Una hora y tres cuartos después estoy conmocionado en el sofá y no puedo apartar la vista de la pantalla mientras los créditos van ascendiendo poco a poco.

Cito textualmente algunas de los comentarios y artículos que he encontrado:

-Grotesca, dirigida ridículamente (...) "Imagining Argentina", lo máximo que despierta, es el sarcasmo y el bochorno. (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
-"Imagining Argentina", del realizador británico Christopher Hampton, interpretada por Emma Thompson y Antonio Banderas fue abucheada ayer por el público. Los espectadores criticaron la manera en que Hampton ha contado un suceso tan doloroso como el de los desaparecidos. Ausente Antonio Banderas, que en principio estaba previsto que acudiera a Venecia, Hampton, Thompson y el autor del libro en que está basado el filme, Lawrence Thornton, se esforzaron por defender la película de los comentarios críticos de la prensa durante su presentación. (Diario www.estrelladigital.es)
-Un enorme y desquiciado embuste. Inimaginable Argentina. (...) Es "Imagining Argentina" una película bondadosa, bien intencionada (...) no aporta nada (...) filme extremadamente torpe. (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
-Visiones ridículas. (...) Un argumento exótico con diálogos sonrojantemente explícitos y un pobre trabajo de los actores. (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

Algo falla. ¿Es realmente está película tan mala como dicen o es que algo anda mal en mi cerebro?. Porque a mi me ha encantado. 1) Los actores son excelentes. 2) La historia no es para nada tan pésima y vanal como había leido. 3) ¿Visiones ridículas?, ¿filme extremadamente torpe?. No se... ¿¿¿¿de verdad la habeis visto????. Está claro que no es la película del año, de acuerdo, ni siquiera es un film que llegue al notable, lo se, ¿pero se merece todas estas malas críticas?. Indudablemente NO. Continuo con mi noche cinematográfica...

THIRTEEN, de Catherine Hardwicke.



Al fin ha llegado. Tanto tiempo leyendo sobre ella y ya está aquí: el adalid del cine independiente americano, triunfadora en Sundance y el renacimiento del genero alternativo. Me tiembla el pulso. ¡No puedo esperar más!. Introduzco el cd en el ordenador y me relajo en el sofá...

Comentarios sobre Thirteen:

-Una de las 10 mejores películas del año. (...) Holly Hunter realiza su mejor interpretación de los últimos tiempos. (Stephen Holden: The New York Times)
-Prepárate para 'Thirteen'. (...) Te conomocionará." (Peter Travers: Rolling Stone)
-Una excelente, inolvidable película" (Michael Wilmington: Chicago Tribune)
-Con parecido espíritu al de Larry Clark, especialista en el tema (Kids, Bully, Ken Park), pero con más rigor y acierto. (...) La directora no busca disculpas para su protagonista, con lo que resulta creíble y compadecible" (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

En fin... una película más. No, por supuesto que no es una mala película pero, ¿no es más de lo mismo?. En fin, es un tema muy trillado ¿no?. Lo de siempre. Respecto a la directora pues no se que decir. ¿Intenta imitar a Vincent Gallo?. Porque si a Gallo ya se le notaban sus excesos a esta otra ni te cuento. ¿Con más rigor y acierto que Larry Clark?. Dios, que alguien me acerque la pistola. Es una película muy normalita. Me gustaría que un día de estos llegará Orson Welles y estrenara "Ciudadano Kane". Ya veo las críticas: "larguísima y aburrídisima película que... no aporta nada nuevo... bochornosa dirección... ya esta todo inventado". Cuanta hipocresía y cinismo. ¿Se os ha olvidado el sentido del cine?. ¿No sabeis ver más allá de "Mystic River"?. Ojalá la próxima vez que abrais la boca críticos sea para decirnos lo que realmente pensais. Yo, desde luego, a partir de hoy no creo más en vosotros. Y el mes que viene me compro la Cinemanía.

Jueves, 29 de abril (2004)

TIM BURTON, director y guionista.



Se abre el telón. La música de Danny Elfman comienza a sonar, una melodía lenta, a medio camino entre lo triste y lo alegre, lo inquietante y lo tranquilizante, lo idílico y lo gótico. Estamos en Suburbia, una ciudad de colores vivos y chillones donde la gente pasea tranquilamente por las calles, todos se saludan y se paran a hablar unos con otros. De repente sale Johnny Depp de una casa, lleva una camisa y unos pantalones negros. A medida que la música de Elfman va ganando ritmo comienza a nevar con más y más intensidad. Suburbia es ahora un paisaje gris, de tonos blancos y negros. Es la película de la vida de Tim Burton.

Los inicios de Burton. Burton y la animación.

Tim Burton nace en 1958 en Burbank (California). Desde niño demuestra una gran admiración por la cultura freakie, apasionado por los comics, los juguetes, la televisión y sobre todo por los mundos del terror y la ciencia ficción. El joven Burton decide dedicarse a la animación iniciando sus estudios en el Instituto de Artes Gráficas de California. Con tan solo 20 años, la factoría Disney ya se fijó en él y le proporcionó una beca para estudiar en el Cal Art (instituto californiano regido por la Disney para formar a sus futuros dibujantes) lo que le llevó finalmente a trabajar con la Walt Disney como animador en "The Fox & The Hound" (Tod y Tobi, 1981) o como artista conceptual en "Tarón y El Caldero Mágico" (1985). A pesar de todo, sus extravagancias y rarezas no encajaban con la ideología conservadora y moderada de la empresa. En palabras del propio Burton: "mis dibujos no conectaban con la apariencia dulce de los zorritos de Disney, a los míos parecía que los hubieran atropellado en la carretera". De su etapa en la Disney, Burton no duda en señalar que se sentía como un obrero en una fábrica, sin embargo allí conoció a Julie Hickson y Tom Wilhite, quienes pusieron su confianza en el joven Burton y lo ayudaron económicamente a realizar su primera obra cinemátográfica: "Vincent" (1982).



Este corto de escasa duración sintetiza lo que va a ser la obra de Burton: un joven niño llamado Vincent vive en su mundo imaginario, gótico y excéntrico, creyéndose el mismísimo Vincent Price, hasta que finalmente, víctima de sus propios delirios fallece. Sin duda se puede reconocer en este corto a muchas de las películas de Burton (Eduardo Manostijeras, 1990; Pesadilla Antes De Navidad, 1994; entre otras). Recordemos también que Vincent Price (quién luego será el extravagante inventor de Eduardo Manostijeras) es uno de los actores fijos de los films de Roger Corman basados en relatos de Edgar Allan Poe. Vincent Price fue para Corman lo que Johnny Depp va a ser para Burton. Otra cosa importante del corto Vincent es que no está protagonizado por actores, sino que, como en las películas de Harryhausen (Simbad y la Princesa o Jason y los Argonautas, por mencionar algunas) Burton se inicia con "Vincent" en la ténica del stop-motion (animación de maquetas fotograma a fotograma, como en Pesadilla Antes De Navidad).

Su siguiente trabajo fué el mediometraje Frankenweenie (1984), en el cual un niño llamado Victor (como el creador de Frankenstein) resucita a su perro muerto mediante la electricidad bajo una forma monstruosa. Los habitantes del pueblo no aceptan al "monstruo" y lo acorralan para intentar acabar con él. En este evidente homenaje a "Frankenstein" (y claro precedente de Eduardo Manostijeras) Burton usa a actores reales, como Shelley Duval (El Resplandor, Annie Hall) o la entonces desconocida Sofia Coppola. Al igual que ocurrió con Vincent este mediometraje cayó rapidamente en el olvido.



A pesar de que Burton era entonces un total desconocido, ya empezaba a resaltar en el mundo cinematográfico. La actriz Shelley Duvall le ofreció dirigir un capítulo de su serie "Fairie Tale Theatre" (no estrenada en España) llamado "Aladino y la lámpara maravillosa", protagonizado por Robert Carradine, Leonard Nimoy y James Earl Jones. La gran oportunidad le llegó a Burton cuando el payaso Pee Wee Herman le ofreció dirigir una película sobre su vida: "La Gran Aventura De Pee-Wee". El film no era ninguna maravilla (aunque ya se aprecian los toques comic, los colores chillones y, por supuesto, el personaje extraño al mundo que le rodea), pero sin embargo supuso el gran salto de Burton a la dirección.

Es irónico pensar que la misma compañía que le negó la produccion de "Vincent", "Frankenweenie" o "Pesadilla Antes De Navidad", la Walt Disney, sea la productora de la película que finalmente dirigió Henry Selick en 1993: "Pesadilla Antes De Navidad" (bajo la supervisión de Burton).

Burton como poeta. El protagonista burtoniano.



Desde el corto "Vincent", narrado en off por el propio Vincent Price en forma de poesía al más puro estilo Poe o la musicalidad de "Pesadilla Antes De Navidad", hasta el libro de cuentos "La Melancólica Muerte del Chico Ostra", todas las obras de Burton (menos El Planeta De Los Simios) tienen su base en la poesía pura; bien implicitamente (con su lenguaje visual) o explicitamente. El protagonista de estas historias poéticas es siempre un ser marginal, diferente al resto y por ello condenado a una vida solitaria. Este es el caso de Eduardo Manostijeras, del Pingüino, de Ed Wood o incluso del propio Batman. El propio Tim Burton, hablando de las rarezas de sus personajes, señaló: "siempre me he sentido próximo a los personajes de mis películas. Siempre he pensado que tiene que ser así porque cuando estás haciendo algo estás poniendo tu vida en ello y tiene que haber aspectos de todos los personajes que, o son parte de ti, o tienen algo con lo que puedes identificarte o son símbolos de algo de tu interior".

A mediados de los 90 el cineasta pasó su peor etapa. El proyecto del remake de "Superman" en el que estaba muy metido fué finalmente echado atrás por la Warner. Su último proyecto personal fue "Ed Wood" (1994) y Burton no volvió a encargarse de la producción desde entonces. Desde 1994, salvo la excepción de "Sleepy Hollow" (1999), el director no se ha implicado personalmente en sus proyectos hasta el año 2003, con la película "Big Fish", estrenada aquí en España hace un par de meses. Durante los últimos años de los 90 Burton dió rienda suelta a su imaginación a través de la literatura, hasta que encontró finalmente en 2001 el medio idóneo para crear imagenes en movimiento sin la imposición de las grandes productoras: Internet. Al igual que hizo Lynch con "Dumbland", Burton lanzó por la red las historias del chico mancha: "Stainboy". 7 episodios hechos en Macromedia Flash protagonizados por el personaje burtoniano por excelencia (un superhéroe que va manchando todo lo que toca, un niño pingüino, etc...).

Burton y Elfman.



"Mi relación con Burton es... no sabría decirte. Burton es un genio, tiene una mente única. Y bueno, yo para lo que hago también creo que soy único, o al menos distinto. Cuando veo una imagen de una película de Burton instantaneamente me viene a mi cabeza la música. Y eso solo me pasa con Burton" (Danny Elfman, durante el rodaje de Sleepy Hollow). Quizás lo más importante del cine de Burton después de las imágenes y la caracterización de sus personajes, sea la música. El cine de Burton desmerecería bastante sin la música de Elfman, al igual que la música del compositor se queda corta en otras películas ajenas al director. Al igual que el tándem Lynch-Badalamenti, la pareja formada por Burton y Elfman logran introducir otro elemento de comunicación en el cine: la música como vehículo de estímulos destinado a transmitir el estado anímico de sus personajes, la intensidad de las escenas o el cambio de ritmo de las películas. La música de Elfman es sin duda, tan importante en el cine de Burton, que sin ella, películas tan emblemáticas como puede ser "Eduardo Manostijeras" no conseguirían llegar a los espectadores ni la mitad de lo que lo hacen.



El cine de Burton.

"En todas mis películas la narración es lo peor que hayas visto en tu vida y eso es una constante" (Tim Burton). Como la mayoría de los directores de la generación de los 80 (Lynch o Cronenberg, por ejemplo), Burton es consciente de que en el cine ya hay muchas cosas inventadas y que lo que hace falta es aportar algo nuevo. Por ello, al igual que Lynch, para el director premia más el lenguaje visual que la propia historia. Si bien Lynch se centra en los simbolismos, para Burton lo importante es la fotografía, la belleza, el goticismo y la poesía de sus imagenes. Cuando Burton leyó el guión de Michael McDowell, "Beetlejuice", no dudó en lanzarse de lleno al proyecto. Realmente el guión de está película parecía estar hecho a la medida de Burton, ya que de nuevo volvemos a encontrarnos con el personaje marginal (Beetlejuice - Michael Keaton), la jovencita extravagante e incomprendida (Lydia - Winona Ryder, con un look totalmente Alice Cooper) y la familia idílica (los Maitland - Geena Davis y Alec Baldwin), que viven en una colorista casita en la cima de una montaña. "Beetlejuice" (1987) obtuvo un notable éxito de taquilla, sobre todo para ser un título independiente y de bajo presupuesto, y consiguió el Oscar a los mejores efectos especiales. Años más tarde este producto fue literalmente violado para dar lugar a una serie de dibujos en la que se cambia totalmente el sentido de la película (si hasta Beetlejuice y Lydia son amigos... ¡¡por Dios!!). El éxito de "Beetlejuice" logró que la Warner se fijase en Burton para dirigir "Batman" (1989) y... a partir de aquí el resto ya es historia.



Filmografía de Burton:

- The Island Of Doctor Agor (dirección, guión y animación, 1971)
- Stalk Of The Celery (dirección, producción, guión y animación, 1979)
- Luau (dirección, producción, guión e interpretación, 1982)
- Vincent (dirección y guión, 1982)
- Frankenweenie (dirección y guión, 1984)
- La Gran Aventura De Pee-Wee (dirección, 1985)
- Beetlejuice (dirección e idea original, 1987)
- Batman (dirección, 1989)
- Eduardo Manostijeras (dirección e idea original, 1990)
- Batman Vuelve (dirección y producción, 1992)
- Ed Wood (dirección y producción, 1994)
- Mars Attacks (dirección y producción, 1996)
- Sleepy Hollow (dirección, 1999)
- El Planeta De Los Simios (dirección, 2001)
- Big Fish (dirección, 2003)

Lunes, 26 de abril (2004)

Alta Fidelidad, de Stephen Frears (2000)



Rob Gordon (John Cusack) es el dueño de una tienda que solo vende discos de vinilo y de determinados estilos musicales. Además, Rob es un melómano, un paranoico y un obsesivo, apasionado por los "Top 5" en los que clasifica su vida. Su novia Laura (Iben Hjejle) acaba de dejarlo y además, Rob cada día soporta menos a sus dependientes: Barry (Jack Black) y Dick (Todd Louiso). Mientras su vida cae en picado, repasa el "Top 5" de sus fracasos amorosos: Allison, Sarah, Charlie, Penny y, como no, Laura.



Lo admito; aún no había visto "Alta Fidelidad". Y al igual que Rob Gordon, el personaje de Cusack en la película, subrayo la palabra "aún", porque si, sabía que era algo que existía y realmente quería verla, pero no había tenido la oportunidad hasta ahora. La verdad es que Cusack nunca me ha caido simpático. Simplemente no me gusta. Me ocurre lo mismo con Cage. Opino que son actores sobrevalorados, alzados a la fama por críticos pseudointelectuales y cinéfilos de pacotilla. Por eso me asombró saber que "Alta Fidelidad" es un proyecto movido entre otros por el actor, que él mismo participa en la producción y que es uno de los que firma el guión. Rectificar es de sabios dicen, y con Cusack me he confundido: lo siento.



"Alta Fidelidad" es la "Annie Hall" moderna. Lo pensaba constantemente mientras veía la película, cuando veía a Cusack acercándose a la cámara y lanzando sus monólogos al espectador, gesticulando sin parar, cuando Rob veía como su relación con Laura se moría inevitablemente o cuando se imaginaba lo que podría pasar si... Está claro, si Rob es Alvin entonces Laura es Annie. Y "Alta Fidelidad" es la "Annie Hall" de los 90, de la música alternativa, del panorama underground. Quizás esto sea algo exagerado pero lo que no se puede negar es que si hay un cierto parecido entre ambas. A pesar de no llegar a la grandiosidad de la obra de Allen, si que "Alta Fidelidad" es una buena comedia y una buena película. Recibió algunas duras críticas porque dicen que desmerece al libro; pues bien, yo no lo he leido, y como película solo se que está muy bien.

Valoración: 8/10. Lo mejor: los actores. Lo peor: el trabajo de Fears pasa desapercibido.

Viernes, 23 de abril (2004)

Mulholland Drive, de David Lynch (2001)



Una joven alegre, frágil y algo ingenua, Betty (Naomi Watts), llega a Los Angeles dispuesta a ser una gran actriz , y se aloja en el apartamento prestado por su tía. Allí se encontrará con Rita (Laura Elena Harring), una mujer amnésica, única superviviente de un accidente en la carretera de Mulholland Drive. En la misma ciudad, un egocéntrico director de cine (Justin Theroux) ve cómo tiene que someterse a los productores de su película, que le imponen a la protagonista. Las tres tramas se entrecruzarán misteriosa y oscuramente en búsqueda de su identidad perdida, con personajes que se debaten entre el amor y la muerte, entre el éxito y el fracaso.



La última película de Lynch es hasta la fecha su película más madura. El director combina a la perfección el lenguaje visual y caótico de "Carretera Perdida" con una buena historia (y bien contada) como la de "Terciopelo Azul". La película puede ser muy liosa en un principio pero yo creo que se puede llegar a comprender facilmente después de un par de visionados si nos fijamos en atención en todas las claves que Lynch nos da:

**Antes de abrir la caja azul:

Historia entre Betty y Camila:



-La película comienza con Betty/Diane y Rita/Camilla ganando un concurso de baile.
-Al poco rato, vemos un teléfono en casa de Diane sonando, una llamada que no es atendida y un cenicero lleno de cigarros.
-Dos hombres intentan matar a Rita, pero esta huye y pierde la memoria, refugiándose en la casa de la tía de Betty.
-Cuando Betty llega a casa, le recibe amablemente la portera, una anciana que dice llamarse Coco.
-Betty y Diane se conocen y comienza la historia entre las dos.
-Cuando Rita y Betty están en el restaurante, esta última se fija en el nombre de la camarera... Diane.
-Las dos van a ver la casa de Diane y dentro descubren a una persona muerta en la cama.

Historia de Adam Keshler:



-Cuando Betty acude al casting de Adam Keshler parece que ambos ya se conocen.
-La actriz que escoge el director para su película es Camilla Rhodes.
-Adam descubre que su mujer le está engañando.

Otras historias:

-Un misterioso y aparentemente influyente Cowboy recibe al director en su rancho.
-Un asesino a sueldo mata a 3 hombres en un piso.
-La banda del teatro "Silencio" nos dice: "No hay banda. Todo es una ilusión".
-Diane y Betty encuentran una llave azul para la caja azul y tras abrirla...

**Después de abrir la caja azul:

-Diane es despertada por el Cowboy.
-Diane, sola en su casa, recuerda cuando su novia Camilla rompió la relación con ella.
-Se recuerda la escena en la que Diane paga al asesino a sueldo por matar a Camilla. Este le dice que cuando lo haya hecho le dejará en su casa la llave azul. El nombre de la camarera es Betty.
-La llave azul está encima de la mesa. Un par de escenas más tarde, Diane se suicida quedando en el mismo sitio que la muerta que descubrieron Betty y Rita.
-Diane contesta a una llamada, que sabemos es la misma que veíamos al principio de la película por el cenicero de al lado.
-Recuerda la fiesta del director tras acabar la película. La actriz principal, Camilla Rhodes, es también su novia. En la fiesta también están el Cowboy, la madre del director Coco, los hermanos Castigliane, etc...



Estas son algunas de las claves básicas para entender la historia (aunque no están todas). Si nos fijamos en esto nos damos cuenta de que la historia es la siguiente:

Dos jovenes actrices, Diane y Camilla, se conocen en Los Ángeles y empiezan una relación (es la época del concurso de baile). Cuando las dos compiten por el papel principal para la película de Adam Keshler, es Camilla la que lo obtiene. La actriz y el director intiman cada vez más y Diane comienza a sentirse celosa. Finalmente Camilla rompe con Diane y en la fiesta del director, Diane descubre que Camilla le ha dejado por el director. Después de esto contrata a un asesino para que mate a Camilla. Finalmente y, antes de suicidarse, Diane sueña con la vida idílica que le habría gustado llevar, transformando a personajes de su vida real en otros muy distintos en su sueño, el sueño de Rita y Betty.



No creo que "Mulholland Drive" sea la mejor película de Lynch. Si que creo sin embargo que es quizás una de sus mejores composiciones, ya que sin duda alguna, en esta película estan concentrados todos los elementos lynchianos que convierten a la vez sus películas en algo tan surrealista como atrayente a partes iguales. En esta ocasión el guion no cede frente a la dirección como en "Cabeza Borradora" o "Carretera Perdida" sino que, quizás por la experiencia del director tras "Una Historia Verdadera", la historia nos sumerge en un mundo negro y asombroso, de nuevo idílico, como aquel pueblo por el que paseaba Jeffrey Beamount ("Terciopelo Azul") o aquel en el que el sheriff Truman y el agente Cooper intentaban esclarecer quién mató a Laura Palmer ("Twin Peaks"). Sin duda una de las mejores películas que se han hecho ultimamente (hasta la próxima de Lynch). Para los que aún creen que en el cine no está todo hecho.

Valoración: 10/10. Lo mejor: el teatro silencio. Lo peor: que no se convirtiera en una serie, como quería Lynch.

Miércoles, 21 de abril (2004)

LA ARDILLA ROJA, de Julio Medem (1993)



Jota (Nancho Novo) está decidido a suicidarse porque su novia le ha abandonado, pero cuando va a hacerlo ve caer del cielo a una joven (Emma Suárez) que ha sufrido un accidente de moto. Cuando va a socorrerla, la joven ni siquiera recuerda su nombre, así que Jota le hace creer que se llama Elisa, como su ex, y que ha sido su novia los últimos cuatro años. Juntos se van de vacaciones al camping "La Ardilla Roja", donde poco a poco, Elisa y Jota, irán descubriendo las verdades de cada uno.

Mal clasificada como comedia (yo creo que es más bien un drama), "La Ardilla Roja" es la más personal de las películas del realizador vasco. Como ya dejó entrever en Beiak ("Vacas"), el cine de Medem es un cine en el que se cuida mucho el lenguaje visual y en esta película no es menos. La actuación de los actores es otro tanto importante en las películas de Medem, es un director de ensayos y eso se nota en el resultado final. La historia por supuesto, no se queda corta frente al resto de sus películas (aunque casos como "Tierra" sean insuperables). En definitiva, "La Ardilla Roja" es una gran película y algo muy difícil de encontrar en el panorama nacional.

Valoracion: 9/10. Lo mejor: la historia y los actores. Lo peor: nada

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Two Much, de Fernando Trueba (1995)



Art Dodge (Antonio Banderas) es el dueño de una galería de arte en Miami Beach, que en una de sus estafas, conoce a Betty Kerner (Melanie Griffith) con la que acaba comprometiéndose. Todo se complica cuando conoce a Liz Kerner (Daryl Hannah), hermana de Betty y se enamora de ella. Incapaz de decidirse por ninguna de las dos, desdobla su personalidad inventándose a su hermano gemelo Bart y así tratar de conquistar a Liz.

La aventura americana de Trueba es un auténtico lujo en cuanto a actores (Antonio Banderas, Melanie Griffith, Joan Cusack o Daryl Hannah) y en cuanto a técnica, y aunque no sea la mejor película de Trueba si que es una de las más entretenidas. La película esta hecha exclusivamente para divertir (en detrimento del cine artístico) y lo consigue.

Valoración: 7/10. Lo mejor: Banderas. Lo peor: algunas partes flojas.

Lunes, 19 de abril (2004)

A LOS QUE AMAN, de Isabel Coixet (1998)



Tercera película de la realizadora catalana, esta vez con financiación española-francesa. "A los que aman" es una historia sobre los amores incomprendidos entre un grupo de personas de la nobleza rural del siglo XVIII. El protagonista del film es un joven médico (Patxi Freytez, no se dice su nombre en la película) que está enamorado de Matilda (Olalla Moreno), quien a su vez se enamora de León (Cristopher Thompson). Este último, tras desposarse con Matilda, conocerá a la hija del maestro de esgrima, Valeria (Monica Bellucci) y tendrá una aventura con ella. Estos amores no correspondidos conducen la película inevitablemente a la tragedia.



Coixet realiza un estupendo trabajo con esta película, que aunque no llega tanto al espectador como "Mi Vida Sin Mí", supera a esta con creces en esteticismo y dirección. Un auténtico ejercicio de estilo de esta gran directora que brilla con luz propia y que consigue crear una de las mejores películas españolas de época (batallando con "El Perro Del Hortelano"). Aparte del trabajo de la directora, me fascinó y sorprendió (más esto último) la más que correcta interpretación de Albert Plá como Jonás, el enajenado hermano del protagonista.

Valoración: 8/10. Lo mejor: la belleza de todas las escenas. Lo peor: Olalla Moreno, algo sobreactuada a veces.

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LAS VÍRGENES SUICIDAS, de Sofía Coppola (1999)



El matrimonio Lisbon (James Woods y Kathleen Turner) tiene 5 hijas adolescentes. El ambiente conservador y represivo de la familía va a dar lugar a que las 5 acaben suicidándose. Tiempo después, Trip Fontaine (Josh Harnett) que fué novio de Lux (Kirsten Dunst), recuerda como sucedió todo.

Sofía Coppola consiguió con esta, su primera película, el reconocimiento a nivel mundial de crítica y público (algo muy dificil), tras su triste paso como actriz (El Padrino II). Durante todo este tiempo la realizadora se ha dedicado a dirigir videoclips musicales (uno de los últimos ha sido "I Just Don't Know What To Do With Myself" de los White Stripes) pero finalmente decidió probar suerte en la dirección y, bajo la producción de su padre, creo esta pequeña joya del cine independiente. Aunque por debajo de "Lost In Translation", es una película muy recomendable y de obligado visionado.

Valoración: 8/10. Lo mejor: el elenco de actores protagonistas. Lo peor: que por culpa de "Lost In Translation" este destinada a pasar al olvido.

Domingo, 18 de abril (2004)

DAVID LYNCH, director.



Biografía:

David Lynch nace el 20 de enero de 1946 en Missoula (Montana, EEUU). Desde joven ya encaminó sus pasos hacia el arte iniciándose en la pintura pero sus inquietudes lo llevaron pronto a dirigir algunos cortos ("The Short Films Of David Lynch"), hasta que finalmente en 1977 dirige su primer largometraje: "Cabeza Borradora", en el que él mismo se encarga de la música, de los efectos especiales, del montaje y de la producción, además de firmar el guión. Lynch llama rapidamente la atención en el mundo del cine y muchos directores se declararon fascinados por el debut del joven director. Stanley Kubrick afirmó en una ocasión que "Cabeza Borradora" era una de sus películas favoritas (sorprendentemente la comparó con "La Ardilla Roja" de Julio Medem).



No pasó mucho tiempo hasta que le ofrecieron a Lynch un nuevo proyecto: "El Hombre Elefante" (1980), su primera película por encargo (en esta ocasión de Mel Brooks), que fué nominada a 8 Oscars de la Academia en el año de su estreno. El siguiente en llamar a su puerta fue George Lucas, quien ofreció a Lynch dirigir "El Retorno Del Jedi" (1983), proyecto que éste rechazó. Un año más tarde Lynch llegó a un acuerdo con el famoso productor Dino De Laurentiis para hacer una película sobre la trilogía de libros "Dune", del escritor Frank Herbert. "Dune" (1984) fue un fracaso en la época, machacada por los críticos y, al igual que ocurrió con "2001: una odisea del espacio" (Stanley Kubrick, 1968) hoy en día es una obra de culto y una de las grandes películas de la ciencia ficción. Laurentiis admitió que se había equivocado reduciendo el metraje original que grabó Lynch (casi 4 horas) a las 2 horas que duraba la película finalmente, así que ofreció al director producirle una nueva película en la que le dejaría hacer todo lo que quisiera. Así es como surgió "Terciopelo Azul" (1986) una de las mejores películas del cineasta y un punto de transición en su carrera: a partir de este punto, y a excepción de "Una Historia Verdadera" (1999), Lynch va a dedicarse ahora a hacer el cine que realmente le gusta. A pesar de todo, el entendimiento entre Lynch y el público no llegó hasta 1990 con la exitosa serie televisiva "Twin Peaks".

Características del cine Lynch:



En cierta ocasión, un crítico dijo que el cine de Lynch era el cine de un pintor jugando con unas cámaras. Aunque no es una frase 100% cierta, si que quizás pueda ayudar a entender mejor las películas del director, más visuales que literales. Estoy convencido de que a ningún cinéfilo le dejan indiferentes las películas de este genio porque pueden irritar y pueden asombrar por partes iguales. No te molestes en ver por décima vez "Carretera Perdida" porque el problema no es que no entiendas la película, lo que no entiendes es que no hay que entender la película. ¿Acaso entiendes todo lo que Dalí quería decir en sus cuadros?. ¿Hay alguien que entienda "Un Perro Andaluz" de Buñuel?. Lynch es un genio y como todos los genios de la historia jamás será comprendido, como mucho sera imitado (con acierto en ocasiones, "Donnie Darko" de Richard Kelly, lamentablemente en otras como "Boxing Helena", dirigida por su hija Jennifer Lynch). Procedo a señalar las características que he detectado en el cine lynchiano:

-El protagonista de las películas de Lynch es... David Lynch:

Jack Nance (Cabeza Borradora, Twin Peaks), Kyle MacLachlan (Dune, Terciopelo Azul, Twin Peaks), Bill Pullman (Carretera Perdida) o Justin Theroux (Mulholland Drive) son algunos de los protagonistas de las películas del director. ¿Qué tienen estos personajes en común?. Aparentemente puede que nada pero si hacemos un análisis más profundo de ellos, podremos observar que aunque entre ellos sean muy diferentes, todos tienen algo que ver con el director:

Jack Nance (John Nance): Murió en 1996, víctima de una brutal paliza. Este actor de origen texano ha participado en casi todos los proyectos de David Lynch, aunque solo ha tenido un papel protagonista en toda su vida: el excéntrico Henry Spencer de "Cabeza Borradora" (comentario aquí mismo). En la película, Henry es un hombre extraño, que vive solo y que se ve obligado a casarse con una mujer a la que apenas conoce debido a los valores tradicionalistas de la familia de ella. En tan breve sinopsis, ya podemos establecer una cierta relación entre el personaje ficticio y el director. Lynch ya había realizado dos cortos sobre la temática de la opresión de una familia conservadora, no es de extrañar pues, que tenga una especie de obsesión por el tema quizás porque lo haya sufrido él mismo, a pesar de haber negado que existiera una inspiración autobiográfica en el personaje de Henry Spencer.



Dejando a un lado la ficción, se sabe que Jack Nance y Lynch eran amigos desde mucho tiempo antes de rodar "Cabeza Borradora", con lo cual podemos afirmar que tenían unos intereses comunes y además es obvio que ambos poseen un cierto parecido físico y más aún con la caracterización que Lynch hizo de Nance para la película.



Kyle MacLachlan: Kyle nació el 22 de febrero de 1959. Él y Lynch se conocieron en el rodaje de "Dune", en la que MacLachlan tenía el papel principal de Paul Atreides. Lynch no dudo en ofrecerle el papel protagonista de su próxima película, "Terciopelo Azul" (comentario) y a partir de entonces se forjó un fuerte vinculo de amistad entre el director y el actor que les llevó a colaborar juntos en numerosos proyectos en los que Lynch siempre guardaba para Kyle el papel protagonista. El parecido físico entre el imberbe MacLachlan y Lynch en su juventud es bastante evidente. De la unión de ambos surgió la mejor etapa del cine lynchiano.



Bill Pullman y Justin Theroux: los protagonistas de "Carretera Perdida" (comentario) y "Mulholland Drive" respectivamente, son una recreación de dos sueños que tuvo Lynch. El personaje de Pullman en "Carretera Perdida", Fred Madison, no solo tiene un fuerte parecido físico con el director sino que además, la casa en la que vive es la misma casa del director y las experiencias que vive (hasta que es internado en la carcel) son las mismas que le sucedieron a Lynch en su sueño. El personaje de Theroux en "ulholland Drive" es el de un joven director al que no le dejan hacer su película tal como él quiere y al que no le dejan escoger a su actriz principal. Pues bien, esto es más o menos lo que le ocurrió a David Lynch durante la grabación de "Dune".



Es por lo tanto el protagonista de los films de Lynch él mismo, bien de una forma surrealista ("Cabeza Borradora" o "Carretera Perdida"), de forma física ("Terciopelo Azul") o de una manera literal ("Mulholland Drive").

-Recreación de mundos idílicos:

Desde el pequeño pueblecito de "Twin Peaks" a la amplia urbanización de "Mulholland Drive" (o la de "Carretera Perdida"), pasando por la ciudad de Lumberton ("Terciopelo Azul") podemos observar que en la mayoría de sus películas, los protagonistas, a pesar de verse sumidos en mundos oscuros y turbulentos, siempre viven en lugares envidiables donde todas las personas se conocen y todo posee colores brillantes. Logicamente esto se debe a que Lynch fue criado en un ambiente parecido al que podemos ver en el pueblecito de Twin Peaks. Al igual que el resto de directores surrealistas, Lynch exagera lo vivido y deforma su propia visión de la realidad para crear su propio universo fílmico.

Además, el director siempre introduce elementos de los 50 y los 60 (su etapa de juventud) en sus películas. Citando al propio Lynch ("David Lynch por David Lynch", de Chris Rodley): "Si vas al valle hoy, verás coches de los cincuenta; si enciendes la radio, una emisora es de Country y Western, otra es completamente moderna y otra de "clásicos dorados". Elvis Presley, ya sabes, acaba de triunfar. No importa la música que se hubiera llevado antes, el rock n'roll nació aquí. Los cincuenta siguen aquí. Están por todas partes. Nunca se han ido. Fue una década fantástica en muchos sentidos... Así que había algo en el ambiente que ya no está en absoluto. Era una sensación tan genial, y no sólo por que fuera un chaval. Era una época realmente de esperanza y las cosas iban para arriba en vez de para abajo. Tenías la sensación de que podías hacer algo. El futuro era brillante. No teníamos ni idea de que estábamos sentando el terreno para un futuro desastroso. Todos los problemas estaban allí, pero de alguna manera estaban cubiertos de un barniz brillante. Y luego el barniz se rompió, o se pudrió y todo empezó a rezumar".



-Obsesión por la psicosis de sus personajes:

En "Cabeza Borradora" fué un monstruoso bebé que crecía, enfermaba y no paraba de llorar. En "Dune" el Barón Harkonnen era un grotesco, asqueroso y desequilibrado psicótico. En "Terciopelo Azul", Frank Booth, era un secuestrador, un violador y un asesino. Sucesivamente podemos encontrar en cada uno de sus films ejemplos como estos tres anteriores. El clásico patrón que mide a los malos del cine americano es llevado a sus extremos y exagerado al máximo por David Lynch. No solo son personajes diabólicos o auténticos psicópatas sino que además Lynch les imprime siempre alguna manía o gesto que no solo haga más creible al personaje sino que lo convierta en más desagradable (Frank Booth, respira a través de una mascarilla de oxigeno, la risa malvada de Bob en "Twin Peaks",el enfermizo bebé de "Cabeza Borradora", etc). Esta fascinación de Lynch por los personajes grotescos y extraños es la consecuencia del surrealismo de su propia mente.



-El desconcierto es el origen de la atracción:

La mayoría de los detractores de Lynch, usan en su contra los guiones de sus películas, dicen que son atemporales, inexplicables e incoherentes. Acerca de sus guiones, Lynch dice: "Es imposible contar como pasan determinadas cosas. Y luego está el peligro de matar las cosas al hablar de ellas. Empiezas a pensar en articular algo y de repente lo ves tal y como es y la magia desaparece un poco. Es complicado. Cuando hablas sobre algo, a no ser que seas un poeta, las cosas grandes se empequeñecen... Decir lo que es algo lo limita. Se convierte en eso y nada más que eso... Me gustan las cosas que tienen algo en su interior. Tienen que ser abstractas. Cuanto más concretas sean menos probable es que tengan ese algo". Nadie puede negar, que las películas del director provocan una reacción en la gente, es inevitable que tras ver "Cabeza Borradora" estés pensando durante toda la semana en ella, que tras ver "Mulholland Drive" por tercera vez muchas piezas del puzzle aún no te encajen y que por muchas veces que hayas visto "Carretera Perdida" aún no la entiendas, porque la verdad es que no tiene sentido. Precisamente ahí radica la magia del cine de Lynch. Hay que admirar las películas de Lynch por lo que son: una evasión de la realidad, una busqueda de la belleza fotográfica y un cúmulo de estímulos y sentimientos en forma de película.

Para finalizar, concluyo con las palabras del crítico de cine Sergio Vargas: "Siempre es la misma sensación; al escuchar algunas canciones de Zappa, o mientras leo cierto relato de Borges, o al contemplar un cuadro de Dalí. Aunque sé que estoy viviendo algo muy especial, de hecho, excepcional, también tengo la ligera (pero inevitable) impresión de que estoy siendo engañado, de que se ríen de mí. Los tres eran unos genios creadores. Pero probablemente estuviesen todos locos. Algo parecido ocurre con David Lynch y su cine. Sólo una mente enferma podría ser capaz de cosas como Cabeza borradora (Eraserhead, 1977), Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986), o la reciente Mulholland Drive (Mulholland Dr., 2001). Todas ellas son experiencias únicas, y uno puede amarlas u odiarlas, pero nunca quedarse indiferente y menos olvidarlas".

Filmografía de David Lynch:

MULHOLLAND DRIVE (director y guionista)(2000)
UNA HISTORIA VERDADERA (director)(1999)
CARRETERA PERDIDA (director y guionista)(1997)
FUEGO CAMINA CONMIGO (director y guionista)(1992)
ON THE AIR (director y guionista)(1992)
HOTEL ROOM (director y guionista)(1992)
TWIN PEAKS (director de algunos capítulos, creador de la idea original)(1990)
CORAZÓN SALVAJE (director y guionista)(1990) Palma de Oro, Festival de Cannes
THE COWBOY AND THE FRENCHMAN (director y guionista)(1989)
TERCIOPELO AZUL (director y guionista)(1986)
DUNE (director y guionista)(1984)
EL HOMBRE ELEFANTE (director y guionista)(1980)
CABEZA BORRADORA (director y guionista)(1976)
LA ABUELA (director y guionista)(1970)
EL ALFABETO (director y guionista)(1968)
SEIS FIGURAS (director y guionista)(1967)

Sabado, 17 de abril (2004)

CRUELDAD INTOLERABLE, de Joel Coen. (2003)



La última película de los Coen, a pesar de estar hecha por encargo, tiene todas las pautas de su cine: Miles Massey (de nuevo George Clooney) es un abogado especializado en divorcios, y que al igual que su personaje en Oh Brother (los Coen también) tiene una inquieta manía estética, que en este caso es el brillo de sus dientes. Marilyn Rexroth (Zeta-Jones) es una cazahombres que se dedica a casarse con los ricos para después divorciarse y desplumarlos. Cuando Marilyn se topa con el abogado Miles en su contra, este tira por tierra su plan y ella planea su venganza. Estamos por tanto en una película sobre la clásica guerra de los sexos, con un buen argumento y bastante divertida y muy al estilo de los Coen, a pesar de estar dirigida a un público más amplio.

Valoración: 7/10. Lo mejor: Clooney y Zeta-Jones. Lo peor: podría estar algo más explotada.

Viernes, 16 de abril (2004)

Las Horas, de Stephen Daldry (2003)



Tres épocas distintas para tres mujeres basicamente iguales. Virginia Woolf (Nicole Kidman) es una escritora de principios de siglo, que está acabando de escribir "La Señora Dalloway". Laura Brown (Julianne Moore), es una sumisa madre y esposa del Nueva York de los 50 que está leyendo "La Señora Dalloway". Clarissa Vaughan (Meryl Streep) es una mujer actual, editora y ex-novia del poeta Richard Brown, quien suele compararla con Dalloway. La inseguridad, la infelicidad, la preocupación por su existencia y por el fin de esta, unen a estas tres mujeres más allá de lo que en un principio puede parecer.
Stephen Daldry dirige la película de una forma particular pero correcta, con secuencias cortas, centradas en su mayoría más en los diálogos que en las acciones de los personajes, debido posiblemente al paso del director por el mundo teatral. De ello se deriva que las conversaciones entre los protagonistas estén formadas por frases cortas y cambios rápidos de planos para cambiar de unas caras a otras. Si bien es esto lo más criticado del director (al menos en la mayoría de las opiniones que he leido en diversas revistas) yo no creo que esto sea un incoveniente ni un obstáculo a la hora de visionar el film, por el contrario, pienso que convierte un film de corte lento que podría resultar pesado para cierto tipo de público en una película mas dinámica, rápida y digerible. Por otro lado si me he dado cuenta de que el hecho de poder cambiar el marco temporal, le sirve al director para saltarse (literalmente) alguno de los vacíos que deja el guión pero no por ello desmerece esto a la película, sino que no hace más que confirmar el hecho de que Daldry, consciente de que no es una historia lineal, hace un buen uso del montaje en favor de la cinta. En conclusión, estamos ante la que para mi debió ser la ganadora del oscar a la mejor película en el 2003 (al menos de las que estuvieron nominadas): Las Horas.

Valoración: 8/10. Lo mejor: Julianne Moore. Lo peor: Meryl Streep.

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Terciopelo Azul, de David Lynch (1986)



Jeffrey Beamount (Kyle MacLachaln, ¿quién sino?) es un joven universitario que ha vuelto a Lumberton a visitar a su padre enfermo. La casualidad hace que descubra la oreja arrancada de un hombre en el campo. A partir de entonces e investigando con su amiga Sandy (Laura Dern) se adentrará en el mundo lynchiano del sexo, la psicosis (encarnada por Dennis Hopper), el misterio y "lo raro" envuelto en un perfecto thriller, que firma el que para mi es uno de los mejores directores de nuestro tiempo.
Como siempre en el cine de Lynch la película presenta un magnífico, cuidado y detallado lenguaje visual. El uso del contraste de colores y la simbología de los objetos inertes (las clásicas cortinas rojas no podían faltar) tienen tanto protagonismo como los propios protagonistas. De esto modo Lynch nos introduce en la película, con la sintonía de "Blue Velvet" de fondo, a través de unas flores rojas frente a una valla blanca, un pueblo de gran colorido verde y amarillo, en el que todo el mundo se conoce y vive apaciblemente, el camión de bomberos, nuevo, quizás nunca usado, pasa por las calles y los bomberos saludan a los vecinos, un perro juega con un aspersor y un anciano riega felizmente el cesped.



Pero algo va a alterar la apacible vida de Lumberton, porque Jeffrey va a encontrar una oreja humana, y Lynch nos advierte de esto mucho antes de que pase cuando el anciano que regaba tranquilamente ve truncada su existencia a causa de un infarto y cae desplomado en el cesped. Esta es sin duda la grandeza del cine de Lynch, que intenta contarte lo que sucede de un modo surrealístico, quizás exagerado, pero sin lugar a dudas grandioso y totalmente único. Una magnífica película de un magnífico director.

Valoración: 10/10. Lo mejor: el paseo de Jeffrey. Lo peor: nada.

Jueves, 15 de abril (2004)

LA PASION, de Mel Gibson (2004)



Mel Gibson retoma a uno de los personajes cinematográficos con más películas en su haber: Jesús, y le imprime un nuevo objetivo a su versión de la película que todos conocemos, centrándose más en la tortura, la sangre y la violencia de la muerte de Cristo que en su vida o sus hechos. Tristemente subtitulada (con joyas como "mi corazón es pronto" ¿?) y hablada en araméo (paranoias del tio Mel para que tengamos que leer los necios subtitulos y no poder estar a lo que hay que estar) lo que nos queda es una patética película que no ofrece ni inventa nada nuevo pero que sin embargo es impecable en los aspectos de dirección (a pesar de los extraños zooms y alejamientos sobre Caifas mientras está hablando) y fotografía. En definitiva es una cinta polémica (supongo que por su violencia gratuita al más puro estilo Tarantino), sleeper del año en cuanto a taquilla se refiere y sobrevalorada sin duda como película pero que merece ser vista aunque solo sea para observar lo jodido de la cabeza que está el señor Gibson.

Valoración: 7/10. Lo mejor: la caracterización del diablo, el castigo de Jesus a manos de los torturadores de Pilatos, que se vean las costillas de Cristo y los litros de sangre esparcidos por el suelo. Lo peor: que a pesar de todo no cuenta nada

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PLANTA CUARTA, de Antonio Mercero (2003)



Un grupo de niños, apodados los pelones, luchan contra el cáncer en la planta cuarta del hospital Príncipe de Asturias. Lo que puede parecer un drama, en manos de Mercero se convierte en una película entretenida, que pasa del humor a la tristeza, sin caer en el recurso de la lágrima fácil. Sin olvidar nunca lo grave del tema, el director consigue generar una película que, acertadamente o no, se acerca más al tono efectista y alegre de las series de televisión (al más puro estilo Farmacia de guardia) en las que todo acaba siempre bien, que al tono dramático y sensiblero que podría esperarse de este tema.

Valoración: 7/10. Lo mejor: la inclusión de todo tipo de actores de la fauna televisiva, Elvira Lindo incluida. Lo peor: Estopa

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IRREVERSIBLE, de Gaspar Noé (2002)



Al salir de una fiesta, Alex (Monica Bellucci), es salvajemente violada. Su novio Marcus (Vincent Cassel) y Pierre (Albert Dupontel), su ex y amigo de la pareja, se lanzan a la busqueda de su agresor para vengarse. Pero la venganza también tiene sus consecuencias. Con un guión francamente escaso en cuanto a contenido se refiere, el argentino Gaspar Noé, odiado y amado a partes iguales, intenta rellenar hora y media de película con travellings de espirales infinitas (literalmente) y secuencias largas. Si bien el resultado no es del todo malo, consiguiendo al menos una película innovadora en cuanto a dirección (esta narrada hacia atrás) y que consigue impresionar al espectador, más que por lo que se ve (más bien poco en las giratorias y confusas escenas del principio), por cómo se ve. Una película por encima de la media para un director que, en mi opinión, está por debajo de ella.

Valoración: 6/10. Lo mejor: los 15 minutos de violación. Lo peor: que nadie entienda nada de lo que pasó en el Rectum.

Miércoles, 14 de abril (2004)

LA VOZ DE SU AMO, de Emilio Martínez-Lázaro (2000)



Este thriller ambientando en el Pais Vasco de 1980, cuenta la historia de Charli (Eduard Fernández), el hombre de confianza de Oliveira, un empresario portugués dueño de una próspera empresa en el Pais Vasco. Cuando el empresario comienza a recibir amenazas de ETA, pone a su hija adolescente (Silvia Abascal) bajo la protección de Charli. Comienza así una situación marcada por la violencia, en la que nada es lo que parece y donde el amor se presenta de improviso.



"La voz de su amo" no es solo la mejor película de Martínez-Lázaro, ahora de moda por "El otro lado de la cama", sino que es uno de los mejores thrillers hechos en España (junto con Tesis), tanto por la carencia del cine de este género en nuestro pais como por la buena calidad de la película. Estamos ante un film dinámico, con una buena historia en la que ningún cabo queda suelto y que realmente consigue que el espectador se mantenga frente a la pantalla pendiente de lo que va a pasar. Admirable labor la del director de fotografía Javier G. Salmones. Película muy recomendable.

Valoración: 8/10. Lo mejor: los tintes hitchcocknianos de la historia. Lo peor: la evolución de los personajes es poco creible.

Martes, 13 de abril (2004)

CARRETERA PERDIDA, de David Lynch (1997)



Séptimo largometraje de David Lynch, la idea surgió según él mismo cuenta de un sueño que tuvo en cierta ocasión, en el que alguien llamaba a su portero automático y decía: "Dick Laurent está muerto". Pues bien, así empieza y acaba Carretera Perdida. La película podría clasificarse como una mezcla de cine negro, quizás de cine de terror y con las pautas básicas de un thriller. No voy a intentar encontrar sentido a la película, ya que probablemente no lo tenga, y no voy a intentar explicar si estamos ante la historia de un hombre con doble personalidad, un esquizofrénico o ante el intercambio corpóreo entre dos hombres. Ni el mismo Lynch creo que lo sepa. Precisamente por esto, Carretera Perdida es una obra maestra (se que siempre digo lo mismo de las películas de Lynch, lo siento, tengo debilidad por este tipo de pelo revuelto).



Bueno, entremos en detalles, Fred Madison (Bill Pullman) y su mujer Renee (Patricia Arquette) son una pareja que está pasando por problemas matrimoniales (esto en ningún momento se sabe pero se intuye por los problemas de comunicación entre ambos). Un día, un hombre extraño llama al portero automático y dice la famosa frase "Dick Laurent está muerto". A partir de entonces suceden cosas muy extrañas y empiezan a recibir grabaciones en video de su propia casa. La última cinta que reciben, muestra a Fred matando a su mujer. Fred es condenado a muerte y llevado a prisión, pero cuando un carcelero se acerca a revisar las celdas, descubre que en lugar de Fred hay otra persona: Pete (Baltasar Getty), quien no consigue recordar como ha llegado allí. A partir de aquí es cuando la película, hasta ahora más o menos comprensible, se convierte en un atolladero de cabeza.



Como un buen disco o un buen libro, esta es una película que hay que ver y disfrutar en más de una ocasión, ya que cada vez que la ves obtienes unas nuevas impresiones, otras opiniones sobre lo que esta sucediendo y, desde luego, para nada resulta aburrida. Esto es lo que diferencia a las películas buenas de las malas. De nuevo Lynch da en la diana.

Valoración: 10/10. Lo mejor: que permite disfrutarla tantas veces como se quiera. Lo peor: nada.

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EN LA CIUDAD, de Cesc Gay (2003)



En la ciudad es la historia de un grupo de amigos que residen en Barcelona, sobre sus relaciones e infidelidades, sobre las mentiras y las inseguridades, en ocasiones desde un punto de vista cómico, otras veces desde un punto de vista dramático. Un retrato sobre la sociedad actual, sobre la vida de cara a la galería y sobre la vida en la gran ciudad que se plasma en una buena comedia inteligente.

Valoracion: 7/10. Lo mejor: el montaje. Lo peor: puede resultar algo lenta.

Lunes, 12 de abril (2004)

El servidor que hospeda este weblog lleva unos días sin funcionar así que incluyo ahora la lista de las películas que he visto estos últimos días:

BELLEZA ROBADA, de Bernardo Bertolucci (1996)



Lucy Harmon (Liv Tyler), una joven americana, es enviada por su padre a la casa de unos amigos en la Toscana italiana tras el suicidio de su madre con la excusa de hacerse un retrato. Allí conocerá a Alex (Jeremy Irons) que se convertirá en su confidente, se reencontrará con su amor de la infancia y descubrirá la verdad sobre su madre.

Valoración: 7/10. Lo mejor: la fiesta. Lo peor: que podría haber sido mucho mejor película.

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QUE HE HECHO YO PARA MERECER ESTO, de Pedro Almodóvar (1984)



Gloria (Carmen Maura) es un ama de casa agobiada, adicta a las pastillas, con un hijo traficante y otro chapero, un marido machista y una suegra maniática. Sin embargo nada mejora en su vida, al contrario, poco a poco le van surgiendo nuevos problemas que complicarán más su vida. Para la mayoría de los críticos la mejor película de Almodovar, a mi me parece sin embargo uno de sus films más pobres.

Valoración: 6/10. Lo mejor: el tratado feminista oculto tras la película. Lo peor: resulta demasiado surrealista.

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CARNE TRÉMULA, de Pedro Almodóvar (1997)



Mientras Elena (Francesca Neri) espera a su camello, Víctor (Liberto Rabal) se presenta en su casa sin avisar y ambos se ensarzan en una discusión. Después de efectuarse un disparo dos policías, David (Javier Bardem) y Sancho (Pepe Sancho) se presentan en el domicilio. Durante el forcejeo entre Sancho y Víctor la pistola se dispara y David queda parapléjico. 8 años después los 4 personajes se vuelven a encontrar y descubrirán la verdad sobre sus vidas. Almodóvar se asoma al thriller y al film policiaco pero con las características de siempre de su cine: triángulos amorosos y personajes marginales marcados por la tragedia y la casualidad. Una de las mejores películas del director manchego.

Valoración: 8/10. Lo mejor: el thrilleriano envoltorio de la historia. Lo peor: Víctor (Liberto Rabal).

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ACCIÓN MUTANTE, de Alex de la Iglesia (1992)



Un grupo terrorista formado por mutantes, secuestra a la hija de un poderoso empresario el día de la boda de ésta. Los secuestradores piden un gran rescate, que será entregado en el planeta minero Axturias. Ramón (Antonio Resines) camino de Axturias decide matar a sus compañeros para quedarse con todo el dinero, pero no cuenta con que Alex (Alex Angulo) sobrevivirá a su plan y lo perseguirá para vengarse.

Valoración: 6/10. Lo mejor: la originalidad de la historia. Lo peor: demasiado floja.

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PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTON, de Pedro Almodovar (1980)



Un trío imposible entre Luci, una ama de casa abnegada (Eva Silva -Ana Curra), su vecina "moderna" (Pepi/Carmen Maura) y una rockera diabólica (Bom/Olvido Gara "Alaska"), se conforma al ritmo descompasado de La Movida. A raiz de la violación de Pepi (Carmen Maura), esta conoce a Luci (Eva Silva), una ama de casa abnegada. Cuando Pepi presenta a Luci a su amiga Bom (Alaska), una rockera diabólica y lesbiana, estas dos deciden irse a vivir juntas. A partir de este momento, las tres se adentraran juntas en las noches de La Movida madrileña de los 80.

Valoración: 5/10. Lo mejor: es una película bastante entretenida. Lo peor: tiene algunas carencias en la dirección (primera película de Almodóvar) y un ritmo poco constante.

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DEAD MAN, de Jim Jarmusch (1996)



El contable William Blake (Johnny Depp) acepta una oferta de trabajo en una inhóspita ciudad del salvaje oeste pero cuando llega a su lugar de destino comprueba que el propietario de la fábrica Dickinson ha cedido su puesto a otra persona. En la taberna de la ciudad conocerá a una mujer y se irá con ella a su casa donde será sorprendido por su marido. Tras un tiroteo, la mujer y el hombre caen muertos y Blake se convertirá en un fugitivo. Acompañado por el indio Nadie (Gary Farmer), el contable intentará escapar de su destino mientras es perseguido por tres asesinos.

Valoración: 8/10. Lo mejor: su "original" dirección. Lo peor: demasiados fundidos a negro...

Martes, 06 de abril (2004)

MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS, de Pedro Almodovar (1988)



Pepa (Carmen Maura) acaba de romper su relación con Ivan (Guillermo Montesinos) justo al enterarse de que está embarazada. Mientras, Candela (María Barranco) descubre que ha estado manteniendo relaciones sexuales con un terrorista, la mujer de Ivan planea vengarse y la otra amante de Ivan se prepara para irse de viaje con él. Además, Pepa descubre que Ivan tiene un hijo (Antonio Banderas) que podría ser suyo. La comedia se torna en drama cuando todas estas historias se cruzan...

Valoración: 7/10. Lo mejor: el guión. Lo peor: que sea una película demasiado normal para ser de Almodóvar.

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YOU'RE THE ONE (UNA HISTORIA DE ENTONCES), de Jose Luis Garci (2001)



Julia (Lydia Bosch) viaja hasta un pueblo de Asturias donde vivió su infancia para superar una depresión por la muerte de su marido. Allí se reencontrará con amigos de su infancia, Pilara (Ana Fernández), la tía Gala (Julia Gutiérrez Caba), y conocerá a personas nuevas como el maestro Don Orfeo (Iñaki Miramón) o el cura Don Matías (Juan Diego).
Para mí la mejor de las tres películas de Garci que cierran su trilogia sobre el retorno a la Asturias de principios de siglo. Es evidente que Garci es un director de los de antes, planos largos, secuencias sin cortes donde los actores tienen que demostrar que valen y diálogos extensos (al estilo de Mystic River). Es por ello que a mucha gente le puede resultar una película aburrida, lo mismo que si hoy en día se ve Ciudadano Kane, pero si se pone interés en verla, al igual que C. Kane, está claro que esta película es una obra maestra. Quizás la mejor de Garci. Por cierto, resulta irónico que con cinco actores nominados al Goya por esta película (Lydia Bosch, Juan Diego, Iñaki Miramón, Ana Fernández y J.G.Caba) no le dieran el Goya a Garci a mejor director, cuando la labor de un director es precisamente dirigir a los actores...

Valoración: 9/10. Lo mejor: que este rodada en blanco y negro. Lo peor: ...+

Lunes, 05 de abril (2004)

ERASERHEAD (CABEZA BORRADORA), de David Lynch (1977)



Ópera prima de David Lynch, narra la historia de Henry (Jack Nance), un trabajador de una ciudad industrial quien se ve forzado a casarse con Mary (Charlotte Stewart) debido a un embarazo no deseado. La película puede ser entendida como una crítica hacia los valores tradicionales de la familia (el monstruoso bebé es el resultado de esto) y la industrialización (ruidos, malformaciones, ambientes depresivos y agobiantes). Todo esto contado no literalmente sino a través de un magnífico lenguaje visual.
Es sin duda David Lynch uno de los grandes directores de cine de autor que existen hoy en día, pero a diferencia del resto de cineastas de su generación, el punto fuerte de sus películas no es su guión sino el lenguaje visual que usa. Sin duda la imaginación de Lynch va mucho más allá de la realidad, convirtiendo lo normal en irreal (Twin Peaks), exagerando lo real hasta límites insospechados (Terciopelo Azul) o simplemente divagando hasta hacer cintas casi imposibles de entender (Mulholland Drive). Es precisamente este exceso de imaginación lo que a la vez convierte a las películas de Lynch en algo único pero incomprensible. Esta película está exactamente en el punto medio de estos extremos. A falta de ver "Corazón Salvaje" creo que "Cabeza Borradora" es la mejor película de Lynch y para mi, una de las mejores películas de la historia.

Valoración: 10/10. Lo mejor: el sueño en el que Henry pierde la cabeza y esta acaba siendo usada para fabricar las gomas de los lápices (las cabezas borradoras). Lo peor: que no esté doblada al castellano.

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EL CAMINO A CASA, de Zhang Yimou (1999)



La película cuenta la historia de amor entre una joven china y un maestro de un pequeño pueblo de la época rural china, recordada por el hijo de ambos, que ha vuelto a casa para ayudar a su madre a celebrar la procesión (funeral) por su padre ya muerto. Oso De Plata al mejor director en el festival de Berlín.

Valoracion: 8/10. Lo mejor: la fotografía. Lo peor: las largas y extensas escenas típicas del cine oriental.

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VIDAS FURTIVAS, de Sally Potter (2003)



La joven Suzie (Christina Ricci), rusa y judía, criada en Inglaterra, decide viajar a América para reencontrase con su padre, del que fue separada a causa de la segregación racial, y conocer su auténtica identidad. En su viaje, acaba buscándose la vida en Paris, donde junto a su compañera de piso Lola (Cate Blanchett) se incorpora a la cuadrilla de un famoso cantante de ópera (John Turturro) de ideas fascistas. Allí se enamorará del gitano César (Johnny Depp) y descubrirá lo que es el racismo y la marginación social.

Valoración: 7/10. Lo mejor: el reparto. Lo peor: la confusa dirección.